Projector è l'album della svolta musicale (e discografica) dei Dark Tranquillity. Il cambio di etichetta da Osmose records a Century Media Records è notevole ai fini della produzione del disco, i suoni infatti sono molto più puliti e definiti degli album precedenti, "The Mind's I" in particolare.

L'album si apre con Freecard, breve intro di piano ed entrano in scena tutti i componenti della band. Mikael Stanne alla voce, come al solito è imponente pur senza essere brutale, a parere dell'autore il più espressivo dei cantanti Death. La canzone prosegue senza lasciare un secondo di pausa agli orecchi, nemmeno i break ci fanno distrarre: melodie chitarristiche si intrecciano perfettamente con la sezione ritmica fenomenale tenuta in piedi dall'immenso Anders Jivarp dietro le pelli e dal bassista Martin Henriksson. Grandissima canzone, spesso riproposta anche in sede live.
Si passa poi ad uno dei più grandi successi della band svedese, ovvero There In. Un muro di chitarre estremamente effettate ci introduce in una canzone mid-tempo in cui a farla da padrone, manco a dirlo, è Mikael Stanne, coadiuvato dal duo di chitarristi Niklas Sundin-Michael Niklasson. Il grandioso ritornello è cantato in pulito, rendendolo vibrante, caldissimo e le chitarre di cui dicevo prima danno il loro meglio per creare un atmosfera rilassata, seppur mai veramente calma. Una delle migliori tracce dell'album. C'è poi UnDo Control: una chitarra che spizzica pochi accordi e batteria con voce femminile a dominare la scena, si scatena poi all'entrata in piazza di Mikael che sbatte lì uno dei ritornelli più orecchiabili dell'album, pezzo immancabile nei live e nella storia dei Dark Tranquillity che comunque non sono alle prime armi con le voci femminili (basti citare la stupenda Insanity's Crescendo, tratta dal precedente "The Mind's I"), il pezzo ha poi un break che rallenta il ritmo del pezzo per poi riprenderlo, canzone geniale.

Auctioned è un pezzo a mio avviso molto sperimentale e perfettamente riuscito: intro di piano accompagnato da chitarra e batteria, cantato prevalentemente in pulito e una tastiera a scandire il tutto come un metronomo in sottofondo, bellissimo l'assolo di basso circa al minuto 3:50 che lancia poi l'assolo di Sundin per un finale quasi commovente. L'uso del piano, da molti aspramente criticato, è fondamentale in questa canzone. Altra grande canzone. To a bitter halt inizia in maniera molto calma: chitarre, basso e batteria a tempi piuttosto blandi. Avviene poi il lancio di chitarra e batteria e la canzone si trasforma in un altro pezzo a-la-Dark Tranquillity, impreziosito dalla performance di Anders Jivarp, che pur senza fare cose pirotecniche scrive una traccia stupenda anche da suonare senza gli altri strumenti. Il ritornello è anche qui cantato in pulito e dopo il break del minuto 3:50 si "incattivisce" per poi tornare alla oscura "tranquillità" di prima.
The Sun Fired Blanks è il pezzo più a-la-The Gallery dell'album. Chitarre violente iniziano la canzone, per poi passare ad un bridge in cui si sente tutto la cassa singola di Jivarp (nei live ha sempre cassa singola con doppio pedale), dopo il ritornello ritorna il tema iniziale che poi si chiude su se stesso a fine canzone, non senza un break stupendo con chitarre che fanno perfettamente il loro lavoro. Bello come al solito il breve solo di basso verso fine canzone.Traccia stupenda.

Nether Novas continua la parte sperimentale dell'album, già iniziata precedentemente con Auctioned. Clean vocals preceduti dal solito intro di basso, chitarra e batteria, sembrerebbe una ballad, ma attenzione: si ricomincia col growl di Mikael (stupendo come ci ha abituati) e chitarroni distorti, c'è poi un fantastico break in cui, anche qui, Anders tira fuori tutta la sua espressività e Mikael viene definitivamente nominato "grande cantante anche in pulito". La canzone si rincorre da sola con continui cambi clean-growl, chitarre pulite-distorte, mid tempos-doppia cassa.
Day To End è la canzone più atipica dell'album, giocata solo su tastiere e voce (pulita) di Mikael all'inizio, in cui poi entrano anche chitarre basso e batteria. Oltre a essere atipica per i DT, è anche la canzone più deprimente, con un testo da brividi e una voce che da un cantante Death come Stanne non ti aspetteresti mai. Fondamentale. A seguire: Dobermann! Spettacolare riff iniziale del duo delle 12 corde, in cui irrompe Mikael e portare carica e rabbia, con un growl talvolta al limite dello scream. Fantastico il ritornello a cui segue il break: arpeggio di chitarra, basso, batteria e clean vocals molto effettate, per poi tornare ad esplodere con la consueta carica, in questo pezzo segnalo soprattutto la bellezza dei suoni dei chitarristi nel riff (e gli stoppati piatto-cassa... che sono la passione dell'autore).

Eccoci arivati alla fine, con il pezzo che considero il migliore dell'album. Chitarre distortissime, armonici a non finire, vocals cattivi e mitici, per passare ad una parte clean vocals piena di tristezza che poi apre una finestra sul più bel muro di chitarre del gruppo: lancio e via, note in successione al minuto 2:20; momenti fenomenali con doppio pedale sotto e clean vocals a rendere tutto estremamente drammatico, grande assolo verso la fine e presa di un tempo sostenuto negli ultimi secondi della canzone. Dal vivo è una traccia indescrivibile, emozioni pure, nient'altro da dire.

Questo "Projector" è stato il primo album Death che ho sentito e mi ha veramente cambiato la vita, al pari di The Gallery il migliore della band. Voto tendente ad infinito, inestimabile.

TWolff. 9

Ci sono generi piuttosto particolari, è il caso dell’ extreme metal e ci sono band, per consenso ricevuto, altrettanto particolari. Quando tante peculiarità vanno tra loro a sommarsi diventa arduo addentrarsi in giudizi, valutazioni. Un gruppo che rispecchia alla perfezione questa situazione, a mio parere, sono proprio i Cradle Of Filth; a mia memoria una delle band che tuttora maggiormente divide critica ed appassionati. E, aggiungo, le critiche quando presenti sono di una ferocia che non può passare inosservata.

Come spesso accade sono portato a pensare che la verità stia a mezza strada, nel senso che se è vero che con i COF non ci troviamo di certo di fronte a dei fenomeni probabilmente lo è altrettanto che non sono neanche un coacervo sciatto ed insipiente come spesso vengono indicati.

Quando penso a certa avanguardia metal di getto richiamo innanzitutto i Meshuggah con la loro tecnica sorprendente e per certi versi pionieristica; posso pensare, per rimanere alla stretta attualità, a Between The Buried And Me o ai Periphery, in ogni caso i Cradle restano un pò indietro, un pò defilati.

Se con ogni probabilità Dusk…and Her Hembrace (1996) ha suggellato il loro migliore momento è vero anche che le prove successive non ne hanno ripetuto i fasti ma, al tempo stesso, non sono neanche tutte da scartare a priori.

Certo quindici anni fa io stesso ipotizzavo un diverso percorso per il gruppo inglese poi invece le cose sono andate in modo deludente anche perchè i “vampiri” ci hanno messo del loro, con un songwriting a tratti debole e una acclarata ripetitività musicale. Aggiungerei pure che forse, una serie di uscite più diluita, avrebbe potuto giovare; in ogni caso, ripeto, prove alterne e non tutte da bocciare.

La congrega di Dani Filth presenta dunque The Manticore and Other Horrors, decimo album nel volgere di diciotto anni, senza contare un live e due compilation (un ruolino di marcia piuttosto serrato); edito per Peaceville Records, si compone di undici brani che si discostano non eccessivamente dal recente repertorio. La produzione è curata, tra gli altri, dal chitarrista Paul Allender e dal batterista ceco Martin “Marthus” Škaroupka. Presentato in anteprima come una raccolta, un’ antologia di storie riferite a mostri, demoni e quant’altro culminanti con Manticore, vero snodo centrale del disco. Come di consueto i testi sono opera del frontman Filth mentre la musica è targata Allender-Škaroupka. Ufficialmente la band si è ridotta,almeno in studio, a questo trio; a completare l’opera vanno citati Daniel James Firth (basso), Lucy Atkins (voce femminile) ed un coro di una dozzina di elementi.

Lavoro non facile da inquadrare perchè si avvicendano brani corposi e di sostanza, dove il combo riesce a tirare fuori il meglio, ad altri dove tende letteralmente a perdere il filo, mescolando tendenze, generi e riverberi che fanno scadere la qualità vistosamente. Un esempio di questo può essere rappresentato da Siding With the Titans che, partita con le migliori intenzioni, finisce per naufragare nel mare della mediocrità, priva di linee nettamente definite.

Con modalità diverse ma dall’esito simile a mio parere risultano The Abhorrent e Illicitus, poco convincenti e frammentarie.

Tralasciando i due brani strumentali posti in testa ed in coda, belli ma ingiudicabili perché essenzialmente funzionali allo svolgimento, voglio senz’altro segnalare un’accoppiata formata da For Your Vulgar Delectation, nella quale la componente thrash ben si sposa con trame symphonic e gothic, con ottimi risultati; la già citata Manticore, che si tinge di toni più estremi e dove Filth alterna screaming, growl e clean in una giostra canora incandescente: un bel passaggio symphonic black metal che in definitiva rimane l’abito che meglio riveste il gruppo del Suffolk.

Indicate le cadute ed i picchi, resta poi un pugno di tracce che senza assurgere a capolavori conquistano comunque una larga sufficienza; è il caso di Frost on Her Pillow punteggiata da un riff trascinante della chitarra di Allender e da un’aura epica.

Huge Onyx Wings Behind Despair è realmente un urlo lacerante, disperato, quasi agonizzante, immerso in un pirotecnico arrangiamento che va dagli archi al blast beat sfrenato della batteria.

Pallid Reflection ne è un pò l’evoluzione, il continuo, esasperato ed infinito, ancor più solenne.

Succumb to This invece è l’episodio che più si spinge oltre, senza dubbio il più “extreme” del lotto; questo per intensità, velocità,”cattiveria”, una corsa selvaggia e sfrenata che travolge ogni ostacolo sul proprio cammino.

Non amo fare raffronti, l’ho più volte dichiarato, ma in questo caso voglio fare un’eccezione e dunque credo di poter dire che questo lavoro dei Cradle Of Filth non sia affatto da buttare via, meglio di alcune prove passate. Resta più che probabile che la band il meglio lo abbia già regalato e che quindi abbia trovato il proprio limite difficile da oltrepassare ma The Manticore and Other Horrors non è una prova fallita. Penso che gli vada offerta una chance, non diverrà un pilastro del genere ma è un parziale riscatto rispetto a precedenti prove opache.

Ascoltato e riascoltato per i cradle e' una nuova strada intrapresa ce da dire che 'Illicitus' e 'Succumb To This' sono riletture moderne delle ambientazioni lugubri di 'Midian' mentre i due strumentali ed alcune orchestrazioni difendono la credibilità del recente 'Midnight In The Labyrinth'. personalmente lo apprezzo , questa svolta verso nuovi orizzonti non potra che portare i cradle su nuove sonorita' mai composte e suonate fin ora. voto 8,5

dany75

Stupidità e peccato, errore e lesina 
ci assediano la mente, sfibrano i nostri corpi,
e alimentiamo i nostri bei rimorsi
come un povero nutre i propri insetti.
Son testardi i peccati, deboli i pentimenti;
vendiamo a caro prezzo le nostre confessioni,
e torniamo a pestare allegri il fango
come se un vile pianto ci avesse ripuliti.
Sul cuscino del male Satana Trismegisto
lungamente ci culla e persuade
e l'oro della nostra volontà,
alchimista provetto, manda in fumo...
(Lettera al lettore, Les Fleurs du Mal, Charles Baudelaire)

Sarò del tutto onesto con voi.
Quando ho ascoltato per la prima volta questa nuova fatica dei Therion sono rimasto stranito e per niente convinto.
Un disco di cover totalmente in francese da quella che è probabilmente una delle band più innovative in campo symphonic negli ultimi quindici anni?
Non ci potevo credere. Anche il titolo appariva estremamente banale (trattandosi appunto di cover) e pareva giustificato soltanto dall'idioma utilizzato.
Poi ascolto dopo ascolto mi sono tornate lentamente in mente le lezioni di letteratura del liceo e ho capito o almeno spero in cuor mio di averlo fatto.
Se c'era una cosa che Charles Baudelaire aveva in mente quando decise di pubblicare la raccolta Les Fleurs du Mal era creare scandalo, scuotere le coscienze in modo drastico facendo sobbalzare gli "ipocriti lettori", raccontando storie di una "bassezza" inusuale per quell'epoca e facendo di tutto per attirare le ire della censura, come intitolare la primissima edizione (poi ritirata) Les Lesbiennes.
La sua poesia era una cosa nuova per quella Francia: non si capiva infatti come quelle liriche, scritte in maniera egregia da un punto di vista formale, potessero invece parlare di argomenti più adatti a discussioni tra malviventi nascosti in qualche bettola malfamata.
Chiudendo il cerchio della metafora: se i Therion volevano scuotermi, fammi storcere il naso, lasciarmi presagire un calo di idee o di ispirazione e quant'altro di brutto si potesse pensare prima facie, beh ci erano riusciti e io come un bigotto francese del diciannovesimo secolo ci ero cascato in pieno.

A mia parziale discolpa posso, però, affermare che si tratta per davvero di un lavoro totalmente fuori dagli schemi, anche per un gruppo che ha reso la sperimentazione il suo cavallo di battaglia.
Quello che la band di Christofer Johnsson ha in buona sostanza fatto è stato prendere delle canzoni popolari francesi degli anni sessanta e settanta, conosciute da ampi strati della popolazione per il fatto di essere state alla ribalta nei programmi televisivi dell'epoca (almeno stando a quanto ho potuto capire visionando alcune esibizioni di artiste come France Galle) e riarrangiarle in salsa Therion.
Mi rendo però conto che, considerata la varietà stilistica a cui ci ha abituati la band svedese, la mia frase precedente voglia dire tutto e nulla, ragion per cui cerchiamo di capire quanto sono stati profondi i riarrangiamenti analizzando Les Fleurs du Mal un po' più da vicino.
Basta la primissima parte di Poupée De Cire, Poupée The Son (interpretata in origine dalla cantautrice France Galle ma basata su un testo di Serge Gainsbourg) a capire che l'interpretazione dei Therion è drasticamente diversa dall'essenza dei brani originali, dato che sembra che si siano salvati giusto i testi e la melodia principale.
Il lavoro alle chitarre del duo Johnsson/Vidal ha infatti rivoluzionato l'andamento di ogni pezzo, introducendo ora ritmiche serrate e quadrate che trascinano le canzoni verso velocità che i veri autori non avrebbero mai nemmeno concepito, ora passaggi solisti in sweep picking e in tapping che vanno ad ornare a puntino alcune sezioni che altrimenti avrebbero rischiato di restare un po' più vuote, il tutto insieme ad accompagnamenti arpeggiati in clean con dei leggeri effetti che seguono la melodia senza però risultare troppo invasivi.
La sezione ritmica è portata avanti dal drumming solido di Johan Koleberg, che si prodiga in cavalcate che tengono alta la tensione, condite da filler intensi e vari ottenuti con un uso azzeccato in particolare dei tom e dei timpani.
L'altra anima ritmica della band, Nalle Påhlsson, ci mostra cosa vuol dire creare delle linee di basso complesse ed articolate, piene di slides e passaggi tecnicamente impegnativi che catalizzano l'attenzione degli ascoltatori anche grazie ad un suono medio-basso che buca perfettamente il mix, uscendo in maniera ben distinta in ogni situazione (cosa che a ben pensarci è sempre più rara nelle produzioni odierne).
Dietro ai tasti neri e bianchi l'ospite Mattias Olsson svolge il suo ruolo con un'enfasi altalenante, passando da sezioni in cui le tastiere sono quasi assenti perché impiegate per meri accompagnamenti con lunghi accordi a tappeto, a momenti più diretti ed intricati in cui si combinano suoni che vanno dall'organetto ai più classici archi (tra l'altro molto realistici e ben sintetizzati).
A questo punto rimane solo più il corposo capitolo riguardante le voci; in effetti non è facile parlarvene in maniera omogenea, perché uno dei marchi di fabbrica di casa Therion è sempre stato rappresentato dalle bellissime armonie ottenute dal connubio di timbri ed estensioni così differenti tra di loro, ma così ben mescolati in fase di arrangiamento.
Questa volta le quattro ugole hanno anche dovuto confrontarsi con l'ulteriore difficoltà rappresentata da una lingua come il francese, dotata di regole di pronuncia non così immediate da capire.
Dopo circa quindici secondi di riproduzione vi accorgerete che sì, c'è sempre Lori Lewis e stavolta è più in forma che mai: la soprano americana (che dal 2011 è entrata nella line-up ufficiale) è autrice di una prestazione di altissimo livello; ci troviamo infatti davanti ad una cantante lirica dalla grande personalità e dalle elevate capacità tecniche, che interpreta i pezzi in modo elegante mantenendo una brillantezza e una potenza sbalorditive anche a tonalità altissime.
Per cavalleria vi parlo subito anche della sua collega Linnéa Vikström, che occupa sì un posto un po' più marginale nell'economia del platter, ma che senza dubbio dà il suo degno contributo con una buonissima interpretazione delle parti a lei affidate, anche se, complice il timbro simile, in certi passaggi pare scimmiottare un po' troppo Liv Kristine.
Thomas Vikström ha invece un timbro più particolare rispetto a quello della figlia, caldo e tagliente, ottimamente utilizzato pur senza acrobazie particolari o escursioni di tonalità al limite delle sue capacità; inoltre, pare anche non essere affatto in difficoltà con una lingua così diversa dallo svedese e dall'inglese a cui è sicuramente più abituato.
Snowy Shaw (che tra l'altro dopo il pasticcio con i Dimmu Borgir non è più un membro permanente) è sempre il solito fenomeno in grado di raggiungere tonalità estremamente acute senza apparente sforzo (ascoltare Je N'al Besoin Que De Tendresse per credere) e nel contempo di mantenere una grande efficacia anche quando è chiamato ad armonizzare le sue parti con gli altri a tonalità più basse; insomma un perfetto comprimario per chiudere un reparto ricco ed affiatato.

La qualità complessiva delle canzoni?
E’ altissima: l'ardita scelta di arrangiare pezzi così alieni alla musica metal ha totalmente pagato, producendo una tracklist equilibrata che si dipana tra brani più tirati e momenti più melodici senza mai calare davvero di qualità.
Certo canzoni come Poupée De Cire, Poupée The Son (in entrambe le versioni presenti), Initials B.B o la già citata Je N'al Besoin Que De Tendresse hanno forse una marcia in più, ma vi sfido a trovare un pezzo mal arrangiato e brutto da sentire.

Insomma, i Therion hanno vinto la scommessa, hanno puntato su un disco apparentemente avulso dal resto della loro discografia, auto-producendoselo, non chiedendo nessun aiuto allaNuclear Blast (che resta la loro etichetta) e il risultato ha probabilmente superato le aspettative.
Certo gli standard della registrazione non sono ai soliti livelli garantiti dal budget della casa tedesca, ma comunque anche gli studios a cui si sono affidati i Therion hanno fatto un buon lavoro, per quanto meno rifinito e patinato del solito.
Gli unici appunti che mi sento di fare riguardano i fusti della batteria a cui poteva essere forse dato più corpo e la definizione troppo bassa dei piatti che risultano poco intellegibili.
In effetti in certi pezzi le alte frequenze risultano un po' troppo impastate e sature, cosa che porta anche a delle leggere “fritture” dei coni che non sono state curate adeguatamente in fase di mastering (ne potete sentire nella prima di Poupée De Cire, Poupée The Son); si tratta comunque di dettagli davvero di poco conto.
Tirando le somme: volete un cd in grado di stupirvi, andare oltre le apparenze e probabilmente stimolarvi facendovi cambiare idea ascolto dopo ascolto? 
Buttatevi su Les Fleurs du Mal, non penso che ve ne pentirete. 

TWolff

Voto 8

Cari visitatori metallari e affini, inizio questa recensione ricordando Tom Sedotschenko, morto suicida nel 1997. Quest'ultimo è stato il vocalist degli Evereve nei primi due album: Seasons e Stormbirds, due grandi lavori.

Il terzo full lenght album, e cioè Regret, vede l'entrata di Michael Zeissel, attuale cantante tra l'altro.

Sinceramente non saprei da che parte iniziare a parlare di questo totale capolavoro del Gothic Metal. C'è innanzitutto da dire che non viene usata la voce growl, di conseguenza la voce del leader è molto pulita e carismatica (direi azzeccatissima per il tipo di musica). Inoltre predomina l'uso del sintetizzatore, a differenza di tanti altri gruppi metal, infatti, definiscono il loro stile di musica cyber-gothic. Secondo Michael, Evereve sta ad indicare il luogo dove i sogni si possono avverare, ed ha proprio ragione, in quanto questo Stupendo lavoro è davvero l'album da sogno che ogni amante del genere si aspetta di ascoltare.

Altri due componenti vengono sostituiti con questo lavoro, e cioè il batterista e il bassista, i quali fanno subito notare la differenza rispetto ai primi due album. Quindi possiamo affermare che abbiamo di fronte una band quasi riformata al cento per cento, tant'è che solo il chitarrista è rimasto della vecchia band. E, a mio avviso infatti, ne parlo come di due band differenti, Regret, per me, è il primo full lenght album di un quartetto cyb-got. Primo di una trilogia che spaccherà i timpani in due, tre album che rimarranno nella storia dei lavori più ben fatti in questo campo, in sequenza Regret, E-Mania ed E-netics.

Ma iniziamo subito col dire che già l'opener track: Misery's dawn, fa si che si entri in questo mondo di sonorità maestrose e a dir poco cupe, intrappolandoti in una fase di sospensione spirituale con il forte desiderio di continuare questo percorso sino alla fine. Come volevasi dimostrare, la seconda traccia: Fall into oblivion, ti rende già strasicuro di che cosa si va incontro continuando l'ascolto. Basti pensare che soltanto le prime due canzoni sono da capogiro e ti masturbano l'anima a tal punto che l'album sarebbe già completo per i primi dieci minuti. Ma non finisce affatto qua, la band ha voluto proprio esagerare nella propria arte sfornando in sequenza, Kolyma, traccia che ti cattura e ti scruta dentro come frullatore in azione, al punto che non si può fare a meno di seguire il ritmo con movimenti forsennati di godimento, a seguire Redemption, canzone per metà ballad che ti crea uno stato d'animo di malinconia e riflessione, e per finire, proprio nel bel mezzo dell'album, appare lei, la cover, e non parliamo di una cover qualunque, si parla nientemeno che di una canzone degli Animals del 1974, dal titolo The house of the rising son, e come descrivere questa magnificienza di assoluta maestranza e complicità di questi formidabili musicisti? Non ci sono parole, resta il fatto che non si può fare a meno di staccare la spina perchè la soddisfazione ottenuta dopo le prime cinque traccie è troppo grande da sospendere l'ascolto. Abbiamo quindi un seguito solo strumentale, come una piccola pausa, un respiro profondo per riprenderci dallo stato di euforia. Per concludere una canzone forte e colma di rabbia, l'ottava Dies Irae, come già ci fa capire il titolo, è una di quelle tracce così cariche e rabbiose che ti viene davvero voglia di spaccare qualcosa durante l'ascolto, come se ti costringesse a scaricarti di tutta la rabbia di cui sei posseduto. Dopo tale sensazione non poteva mancare una sobria pulita canzone dalle tinte melodiche, come per concludere con dolcezza una carrellata di martellate nei timpani, un modo per riprendersi dallo shock in cui si era precipitati nell'ascolto dell'album.

Ora non saprei proprio cos'altro aggiungere a tutto questo cari metal-fan. Posso solo consigliare vivamente questo album ad amanti del genere e non. Credo che chiunque dovrebbe essere in possesso di tale magnificienza, non possiamo negare l'evidenza, cioè è stupendo è stupendo e basta, senza perderci in futili discussioni ci sono album i quali di fronte ad essi bisogna chinarci e portare devozione, Regret è di sicuro uno di questi, e bisogna essere fieri del fatto che, oltre a menzionare capolavori che fanno parte solo del passato, ancora tutt'oggi ci sono persone che riescono a sfornare capolavori i quali mi auguro in futuro se ne parlerà come si parla ora di Painkiller o Somewhere in time o tanti altri album dei quali basta solo il titolo, senza neanche specificare chi è la band, per far impallidire i metallari. Un saluto a tutti.

(Che dite il voto lo devo scrivere o non c'è n'è bisogno????) Ok lo scrivo comunque: 10. TWOLFF

Un saluto a tutti, oggi scelgo un cd di cui si è gia parlato, ovvero "The Sound Of Madness" degli Shinedown, ma reputo, senza voler offendere nessuno, che la rece fatta in passato e poi cancellata per mitivi tecnici diciamo cosi, era un pò troppo scarna e povera d'informazioni; non rendeva giustizia a questo che considero essere un grandissimo album. Ma procediamo subito all'ascolto del disco.

I cinque di Jacksonville partono subito forte con la canzone più pesante del lotto, il singolo "Devour", di cui sono da segnalare l'interessante sottofondo a mò di marcia militare realizzato da batteria e tastiera ed il cantato heavy di un inedito Brent Smith in versione David Drainman dei Disturbed; potente ed adrenalinica. Il ritmo non scende con la title track "The Sound Of Madness", grazie soprattutto ai buoni riff di chitarra ed al ritornello anthem (inaspettato dagli Shinedown, ma proprio per questo interessante) "I've created the sound of madness / wrote the book of pain / somehow I'm still here / to explain..

Dopo due ottime canzoni hard rock (è già stato fatto il paragone con alcuni brani di "Metallica", effettivamente lo stile è quello) gli Shinedown piazzano la prima ballata dell'album, ed è ancora pollice in alto: "Second Chance", questo è il titolo della canzone, è una ballad intensa e poetica, forse anche con valore personale per il singer, in quanto tratta dei rapporti conflittuali all'interno di una famiglia, problemi a cui non è stato estraneo. Il sound torna heavy con "Cry For Help", buona ma meno riuscita delle opener, ma poco importa: serve solo come brano di passaggio per due canzoni che sono altrettanti piccoli capolavori: "The Crow And The Butterfly", canzone che circolava già nei live antecedenti a questo album, un epicissima ballad magistralmente interpretata da Smith e accompagnata da un bel sottofondo orchestrale di violini, e "If You Only Knew", prima vera e propria love song della band, sicuramente riuscita; il coro, molto romantico, sarebbe un delitto non proporlo in radio in veste di prossima hit: "it's 4:03 and I can't sleep / without you next to me I toss and turn like the sea / if i drown tonight bring me back to life / breath your breath in me, the only thing that i still believe in is you / if you only knew".

La seconda parte dell'album è forse meno riuscita della prima: ad aumentare la lista di Hard Rock songs ci sono "Sin With A Grin", niente di male ma un pò troppo "Load" dei Metallica e "Cyanide Sweet Tooth Suicide", la canzone più veloce della loro discografia, carina, un pò punkeggiante; gli ultimi due brani dell'album sono un flop totale ed un altro piccolo capalavoro: se "Braking Inside" pare (purtroppo, molto purtroppo) una b-side di "All The Right Reasons" dei Nickelback, la conclusiva "Call Me" è un altra bellissima perla dell'album, con il cantato caldo e profondo di Smith accompagnato dal pianoforte; probabilmente un futuro classico della band.

Tirando le conclusioni questo terzo lavoro è, a mio avviso, anche il migliore degli Shinedown, in quanto riescono a mescolare ed accentuare come Dio comanda il loro lato hard rock con quello più soft, cosa che non erano riusciti a fare con i precedenti lavori "Leave A Whisper", giudicato stroppo pesante, e "Us And Them", l'esatto opposto. voto 9.5

dany75

Parlando degli altoatesini Graveworm, abbiamo più volte sottolineato come l’ensemble sia andato incontro ad un percorso evolutivo lento ma costante, che ha portato la band ad essere credibile e matura aggiungendo di volta in volta dei tasselli al proprio sound. Il nuovo album “Fragments Of Death”, ottava prova in studio di un’attività quasi ventennale, segue la tendenza rivelandosi ancora più spigoloso del suo predecessore, con numerosi riferimenti a un death metal solido e tecnico, sebbene non manchi il consueto contributo delle tastiere di Sabine Mair a irrorare i brani di melodia. Capiamo quanto la band mostri i muscoli e ottime doti esecutive che non scadono mai nell’autocelebrazione già dall’opener “Insomnia”, un brano granitico e quadrato in cui sale sugli scudi Stefan Fiori, protagonista di una prova vocale aggressiva e ispirata. L’opener sembra preludere ad un album che scopre una matrice death metal alla svedese maniera, impressione confermata anche dalla successiva “Only Death In Our Wake”, che tuttavia è limata agli spigoli da una dose costante ma non invasiva di melodia, posta a rendere il tutto più malinconico ed epico. In questo senso sono splendidi gli episodi nella parte centrale del lavoro, a cominciare da “Anxiety”, con numerose parti di voce femminile, “See No Future” e “The Prophecy”, ammorbidite da ariose tastiere, perfetto contro altare alle atmosfere ferali dei pezzi.
L’album non si conclude questa volta con una cover di un brano pop, tendenza del gruppo negli ultimi tempi, ma con una riproposizione di “Awake”, opener dell’opera prima “When Daylight’s Gone”. Il brano è reso più dinamico e moderno e la sua natura vicina all’immaginario black metal sinfonico di quando i nostri compivano i primi passi, si mostra attuale. “Fragments Of Death” è un disco caldamente consigliato, testimonianza di una realtà solida e che non sbaglia un colpo.

Voto 8,5.

TWolff

Se si dovesse scegliere un solo album che possa rappresentare i Pearl Jam, Vitalogy sarebbe probabilmente la scelta migliore. Uscito in un periodo di grande tensione all’interno della band, è scuramente il più oscuro e sofferto di tutta la discografia. Uscito nel ’94 quando la band era all’apice della fama, Vitalogy, trae ispirazione da un enciclopedia di fine '800 che si proponeva il semplice obiettivo di prolungare la vita dispensando consigli pseudoscientifici come evitare la masturbazione e altre amenità del genere. L’album rifugge la retorica che aleggiava nei lavori precedenti e giunge a una maturità espressiva ormai completa e definitva. In perfetto equilbrio tra la rabbia degli esordi e le contemplazioni della maturità, i Pearl Jam imbastiscono un sound più crudo e dolente rispetto al passato, che trova la sua massima espressione in brani come Last Exit, Not For You e Tremor Christ. Altra scelte significative del loro fastidio nei confronti dello star system (almeno da parte di Vedder) sono quelle di non apporre il nome in copertina e di scegliere come singolo Spin The Black Circle. La scaletta contiene anche delle bellissime ballate rock che diverranno il marchio di fabbrica dei cinque, su tutte spiccano imponenti Corduroy, Nothingman e Immortality. A rendere più straniante e torbida l’atmosfera vi sono, disseminati nella scaletta, alcuni brevi episodi che rasentano il nonsense, vedi Bugs. Quest’ album segna l’ormai definitiva maturazione dei jammers, la perdita dell’innocenza di una band che, grazie al carisma e alla coerenza, continua a rappresentare ad oggi uno dei migliori esempi di quel catalizzatore di passioni ed emozioni che continuiamo a chiamare rock. voto 8

dany75

Ecco irrompere nei '90 gli AC/DC con The razors edge. Un album che mostra al mondo intero gli australiani ancora in ottima forma; non è infatti un caso che il grandioso Monster rock del '92 è arrivato proprio dopo la pubblicazione di questo disco davvero pregevole. Ecco subito proposta una super Hit condannata a rimanere nella storia della formazione, Thunderstruck. Un lavoro di chitarra scorre veloce, e mentre arrivano basso e batteria il sussurro Thunder, Thunder, Thunder prende forza, e con esso il riffing delle chitarre che, finalmente, esplode lasciando in estasi, l'ascoltatore. Ma Fire your guns non dà nemmeno il tempo di assaporare del tutta l'opener, perché ci trascina in una tipica Hard Rock song, veloce e che mette in mostra un cantato senza pause e maledettamente riuscito del grande Brian. Moneytalks! Che triste verità. Una canzone dalle linee melodiche geniali nel coro da stadio e nel solos che catalizza l'attenzione con il suo ritmo cadenzato. Più cattiva e pericolosa la title track che quando la ascolto di sera da solo, non mi vergogno a dirlo, mi fa paura per le atmosfere tenebrose che nei primi minuti la caratterizzano. Più facile e allegra Mistress for Christmas, che ha come punto di forza il finale travolgente, con in primo piano la chitarra del minuscolo, maiuscolo per quanto riguarda le sue performances, Angus. Quando ascolto Rock your heart out mi viene voglia di saltare da una parte all'altra della stanza, dimenarmi, e alzare il volume dello stereo. Il lavoro di basso mi rapisce ogni volta, mentre il pezzo scorre veloce e senza intoppi. Altra super Hit è Are you ready che non lascia scampo nel riffing possente e nel chorus impreziosito dal grande contributo delle backing vocals. Pesante e granitica per tutta la sua durata Got you by the balls marcia con sonorità grezze e elementari, ma è di sicuro impatto fin dall'inizio. Gli AC/DC cambiano decisamente passo con la più facile e veloce Shot of love che vede gli australiani protagonisti in quello che sanno fare meglio: Hard Rock coinvolgente e semplice, di pregevole fattura. Let's make it mi fa letteralmente impazzire per il breve, semplice, ma intenso solos finale. Goodbye and good riddance to bad luckè l'unica song invece che non mi ha colpito particolarmente; si lascia ascoltare ma ho preferito decisamente di più la scheggia finale If You dare, che dopo un inizio in sordina esplode. Parte il giro di chitarra mentre la voce di Brian stride nelle strofe per sfociare nel coro grandioso che ti invita, ti costringe, a cantarlo con tutto il fiato che hai in corpo. Gli AC/DC sono lassù dalla notte dei tempi e con questo The razors edge dimostrano di volerci stare ancora per un bel po'. Comprate ad occhi chiusi!

Tracklist : 
1) Thunderstruck 
2) Fire your guns 
3) Moneytalks 
4) The razors edge 
5) Mistress fro Christmas 
6) Rock your heart out 
7) Are you ready 
8) Got you by the balls 
9) Shot of love 
10) Let's make it 
11) Goodbye and good rinnance to bad luck 
12) If you dare.

Note: quest'album, non solo per Thunderstruck ma nel complesso, rappresenta forse il miglior disco che la band, Back in Black a parte, abbia pubblicato dopo la morte di Bon Scott. Quindi è consigliabile darci un ascolto, non ne rimarrete delusi.

VOTO 8

TWOLFF 

“Kyrie”, una intro orchestrale di 13 minuti che sembra volerci catapultare in un’antica cattedrale gotica, ci introduce nel nuovo lavoro dei Lacrimosa, la band svizzera capitanata da Tilo Wolff e dalla sua compagna Anne Nurmi. Già l’ascolto di questo singolo pezzo mi ha rallegrato: questo “Echos” si è dimostrato un album capace di riportare il nome Lacrimosa ad alti livelli.
Orchestrazioni magistrali, produzione eccellente e ispirati pezzi dall’atmosfera decadente in cui gli strumenti classici si fondono perfettamente con le parti metal: “Durch Nacht und Flut”, il single estratto da “Echos”, si rivela una delle tracce migliori unendo una piacevole orecchiabilità goth alla complessità compositiva di questo gruppo, che non sempre è riuscito a trovare il giusto compromesso coi vecchi single, spesso “stonati” rispetto al resto degli album.
La delicata “Sacrifice” sembra unire nella prima parte sonorità in stile tango al già citato sound della band, un esperimento curioso ma assai piacevole da ascoltare per la sua forte carica romantica.
La quarta traccia, “Apart”, è un pezzo prettamente gothic rock cantato da una Anne Nurmi che finalmente si rivela all’altezza, forse perché usa la propria voce secondo le sue migliori caratteristiche, con tonalità basse e quasi sussurrate, capace di esprimere un forte senso di dolcezza. “Ein Hauch von Menschlichkeit” unisce suggestioni elettroniche in stile ambient ai suoni orchestrali, un esperimento che sinceramente mi ha lasciato perplesso: non che si tratti di un pezzo così pessimo, ma mi pare riproporre a tratti quella mancanza di armonia fra le parti che aveva caratterizzato il discutibile “Fassade”.
Più convincente risulta “Eine Nacht in Ewigheit”, intenso pezzo cantato magistralmente da Tilo – la cui voce spesso risulta fastidiosa a chi per la prima volta si accosta a questa band – accompagnato da pianoforte e archi, in cui il cantante elvetico riesce ad esprimersi al meglio riproponendo le vibranti emozioni dei primi album o di “Darkness”, l’inedito contenuto nel doppio live della band.
Davvero affascinante “Malina”, il cui clavicembalo introduttivo sembra riportarci in un ballo nella Vienna di fine Settecento portandovi a tradimento qualche chitarra elettrica diabolicamente rock.
Chiude quest’opera “Die Schreie sind Verstummt”, monumentale e maestoso requiem di dodici minuti per archi, piano e chitarre. Una chiusura perfetta per un album che segna il ritorno dei Lacrimosa agli alti livelli cui avevano abituato i loro supporters, con le sole eccezioni dei mediocri “Inferno” e “Fassade”.
Insomma un lavoro da ascoltare e godersi per bene ad opera di una band che dopo un breve sbandamento ha ritrovato sé stessa, riproponendosi ai livelli del vecchio “Stille” e mostrando di aver ancora molto da dire. Consiglio solo, a chi volesse avvicinarsi per la prima volta ai Lacrimosa, di non lasciarsi sconvolgere troppo dalla voce di Tilo: è effettivamente una voce che non può piacere a tutti, ma ascoltandola attentamente potrete accorgervi che anch’essa può regalare emozioni, in perfetta sintonia con le ottime musiche di questo gruppo unico.

VOTO 9

TWOLFF.

"El Espíritu del Vino" è il terzo album in studio degli ispanici Héroes del Silencio e come successore del fortunato "Senderos de Traicíon" (uscito tre anni prima) non ha deluso le aspettative sia dal punto di vista delle vendite che da quello compositivo e qualitativo. Questo album ne consoliderà il successo internazionale, raggiungendo la vetta delle classifiche in Spagna, Messico, Germania e Svizzera. Non dimentichiamo inoltre la partecipazione all'importante festival "Rock Am Ring" e che anche MTV si interessò a loro trasmettendone i videoclip e le esibizioni dal vivo.

Innanzitutto presenta delle differenze con gli altri dischi, qui è possibile notare che il sound si fa più duro e complesso, infatti, si passa dall'hard rock di "Sangre Hirviendo", al riffone di "Nuestros Nombres" e alle influenze orientali ed etniche di "Flor de Loto" e "Bendecida"; tutto ciò a sottolineare l'ottimo momento compositivo della band e la loro voglia di sperimentare nuove sonorità fino ad ora inesplorate. Il disco in questione uscì all'inizio del 1993, realizzato sotto la guida sapiente del produttore Phil Manzanera che valorizzò le ottime potenzialità del gruppo.

Come già preannunciato il disco in sé è ambizioso e di lunga durata (oltre i 70 minuti), si inizia con la potente "Nuestros Nombres", magistrale il riff iniziale di Juan Valdivia e la epica e possente voce di Bunbury, il tutto accompagnato da uno splendido ed originale videoclip (mi ricordo ancora quando lo vidi per la prima volta su Videomusic 15 anni fa! Che tempi!). "Los Placeres de la Pobreza" è un buon esempio di rock "massiccio" e veloce che sfocia in un bellissimo assolo con dei cori in sottofondo. Le due tracks seguenti invece rappresentano due classici del rock spagnolo che oltre alla bella musica possiedono delle meravigliose liriche, mi riferisco a "La Herida" e "La Sirena Varada". La prima è a mio avviso il miglior brano dell'album, degli splendidi arpeggi "spagnoleggianti" di chitarra acustica rendono subito l'idea per poi dare spazio alla poetica e suggestiva voce di Enrique, anche qui è da sottolineare l'ottimo assolo del chitarrista Valdivia e gli azzeccatissimi cambi di tempo che rendono il brano abbastanza piacevole per le orecchie dell'ascoltatore. "La Sirena Varada" è un'altra perla degli Héroes ed il metaforico testo la rende abbastanza singolare e affascinante, la prova del singer è del resto della band è di nuovo superlativa! La breve e strumentale "Z" introduce "Culpable" in cui appaiono anche le tastiere, dopo di che ci troveremo ad ascoltare "El Camino del Exceso" e la orientaleggiante "Flor de Loto" (consiglio a tutti di guardare il video!!!) che è dedicata ad una bambina indiana che Enrique adottò a distanza, qui è possibile notare la grande passione del cantante per la cultura dell'India riscontrabile tra l'altro nelle sonorità presenti in essa come ad esempio il suono del sitar all'inizio del brano e alla chitarra "esotica" che ne caratterizza la struttura. Altro pezzo forte è "Sangre Hirviendo", canzone hard rock mozzafiato che i quattro "matadores" eseguono alla perfezione, buona la prestazione di Pedro Andreu dietro le pelli come del resto lo è di tutto il combo nelle sedici tracce dell'album. Una nota un po' dolente è "Tumbas de Sal" inferiore rispetto alla media delle altre songs, a dire il vero non mi è mai piaciuta più di tanto ed il testo lascia un po' a desiderare. Di tutt'altra stoffa è "Bendecida 2" preceduta da un bel coro a cappella, il brano è ispirato all'esperienza del viaggio che la band fece in India e Nepal e non a caso nel testo vengono citati i meravigliosi laghi di Pokhara (seconda città del Nepal come numero di abitanti). Come brano di chiusura abbiamo la malinconica ballata "La Alacena" dove la voce di Enrique raggiunge delle sfaccettature "drammatiche" e quasi "liriche"."El Espíritu del Vino" è consigliato caldamente a chi degli Hèroes del Silencio conosce solo "Entre dos Tierras" ed in linea di massima i brani di "Senderos de Traicíon". Da avere immediatamente!  HEROES PARA SIEMPRE!

Voto 9.TWolff

Versus the World.

È difficile iniziare a parlare di un album tanto importante, ma da qualche parte bisogna pur cominciare, e cominciamo dicendo che Versus the World è un album 100% Amon Amarth. È incredibile come risalti all’istante l’eredità di tale lavoro, dal primo accordo, dal primo maledetto accordo della prima canzone solo una parola mi è saltata in mente: Amon Amarth. È loro quella distorsione, è loro quella batteria martellante. Abbiamo dunque di fronte un album che non rappresenta una svolta epocale nella produzione di questa band: Versus the World è una palese riconferma dell’altissima qualità che ha sempre caratterizzato i loro pezzi. Insomma, solo tecnicamente, questo album vale la pena di essere acquistato, e non solo perché da ogni traccia trasuda l’ormai conclamata maestria nell’uso degli strumenti e della composizione, ma anche perché concettualmente non è stato abbandonato quel sentiero battuto sin da Sorrow throughout the Nine Worlds.

È infatti loro prerogativa quel mix abbastanza singolare di tematiche nelle canzoni. Al richiamo prettamente tolkeniano del nome della band, che non evitano di ribadire persino nella title track, gli Amon Amarth affiancano l’estrema brutalità delle tematiche belliche ai cospicui richiami mitologici e all’amaro anticattolicesimo, da sempre vessillo che ha conferito splendore ed epos a decine di band viking metal, dal padre Bathory alle ultime band emergenti.

La partenza è eccellente: “Death in Fire” racchiude in maniera rabbrividente tutte le caratteristiche della band svedese: veloce, scandita da una batteria martellante, con una doppia cassa che si allinea ai battiti del cuore del primo ascolto, con un Johan Hegg in grande forma che ci presenta un growling profondissimo e di gran lunga più espressivo di quello ascoltato in The Crusher, un simbolo di maturità artistica ormai tecnicamente raggiunta. Una rapida scorsa al testo per capire che ancora tutto questo album è una grande marcia di guerra, intrisa di sangue e immersa in pieno nella mitologia nordica. Non si cambia registro in “For the Stabwounds in our Backs”, dove le melodie articolate di Death in Fire lasciano lo spazio a un death più diretto, figlio delle tracce del tramonto di The Crusher, forse l’unica canzone che mantiene un legame così diretto con l’ultimo album prima di questo. Tutto probabilmente per lasciare spazio a una coppia fenomenale di tracce, “Where Silent Gods Stand Guard” e “Versus the World”, un continuum di melodioso e drammatico ricordo del massacro, ora del Ragnarok, e ora del dio dei Cristiani. Nella prima, di enorme impatto epico, le chitarre sorde seguono il percorso solenne del basso, che in entrambe le canzoni entra in risonanza con la batteria, creando dei brevi momenti quasi lirici che esaltano la drammaticità di entrambe le canzoni, che in Versus the World raggiungono quell’aspetto “tribale” che tanti gruppi hanno acquisito in questi ultimi anni (con alterne fortune), Einherjer e Thyrfing su tutti. Alla metà dell’album rintocca solenne “Across the Rainbow Bridge”, un riposo spirituale, sordo, in cui Hegg si cimenta in una prova di growling sostenuto che riesce a caratterizzare da solo quella che forse è la canzone più melodiosa, e tragica, dell’intero album. Il tentativo di concept prosegue con “Down the Slopes of Death”, che raccoglie a piene mani la preparazione del guerriero che dovrà attraversare il ponte Bifrost per gettarlo all’inizio del Ragnarok, con le orecchie assordate dal risuonare del corno di Heimdall, di cui è quasi percepibile il richiamo nella chitarra atona che accompagna l’ascolto della successiva, "Thousand Years of Oppression", ringhio cupo e drammatico come il fragore continuo e lamentoso del corno, come un fischio, un acufene che ricorda che la vera fine del mondo degli déi pagani non è la rinascita del nuovo mondo, come ci insegnano anche gli Einherjer, ma i mille anni di oppressione del “dio che nel nome della misericordia ha versato il nostro sangue”. È la fine, la liberazione, una canzone che ci regala dei momenti drammaticissimi di silenzio e di tumultuosa discesa verso il massacro finale, rappresentato dalla coppia “Bloodshed” e “…and Soon the World will Cease to be”, che ben si pongono come finale e antifinale comuni a molti album di black/death viking. Finale rappresentato da una canzone cruda e cupa come Bloodshed e una più leggera e articolata come l’ultima menzionata, tutte e due comunque sincere nel classico stile Viking brutale che contrassegna ormai la produzione della grande band svedese.

Cosa dire alla fine di questa estenuante immersione in Versus the World…?

Gli Amon Amarth si sono riconfermati maestri nell’arte del Viking e sapienti dosatori delle loro possibilità, creando delle misture alchemiche di velocità e brutalità death tormentate da tematiche degne del genere e teorie interessanti.  voto 9,5 by rexor

Chi l'avrebbe mai detto che questi teutonici thrasher di Essen sarebbero stati ancora in giro a 30 anni dalla loro formazione nel lontano 1982? E invece i Kreator, senza peraltro battere ciglio o mostrare segni di cedimento, continuano indefessi e concentrati. Come, a onor del vero, molte band metalliche dell'epoca: come se i primi anni Ottanta fossero una stagione di nascite di veri e propri highlander della scena heavy.
La band capitanata da Mille Petrozza, con questo "Phantom antichrist", giunge al tredicesimo disco in studio dal 1985 a oggi (se ci fate caso, tra il 2011 e il 2012 sono diverse le band hard ed heavy che hanno toccato questo medesimo traguardo, a testimonianza di quanto si diceva qualche riga più su) e, per usare una locuzione molto romanesca, dimostra che "la pompa gli regge ancora". Insomma, niente bypass, catetere, protesi e deambulatore per questi signori, ma piuttosto i segni di una voglia di cambiamento, anche solo estemporanea. Per fortuna non è stato limato troppo (del resto chi li vorrebbe in versione folk acustico o ambient? Sarebbe un suicidio), ma è palese una vena più melodica e strettamente collusa con l'ispirazione classic metal. Una scelta piuttosto coraggiosa, che potrebbe anche rivelarsi avventata.
Se la prima traccia (saltiamo l'intro d'atmosfera intitolata "Mars Mantra") - quella da cui è tratto il titolo del disco - è un classico attacco all'arma bianca in stile thrash tedesco, con tutti i sacri crismi, il taglio cambia in maniera molto evidente nei pezzi a seguire; fino a giungere a quella che forse è la chiave di lettura per "Phantom antichrist": "From Flood Into Fire". Qui i Kreator scoprono le carte senza possibilità di errore, abbandonandosi a un brano che è in pratica un florilegio di power metal... e improvvisamente, come se ci trovassimo in un vecchio adventure game testuale per il Commodore 64, il dilemma compare sul display del nostro cervello: "Stai ascoltando i Kreator che fanno power metal: premi (1) per continuare oppure (2) per staccare e mettere su un album a caso dei Sodom" perche' i kreator oggi come oggi fanno cagare, solita musica, solita pappardella, ma con molte influenze che imbastardiscono quello che e' stato il monopolio kreator che ci ha accompagnati in questi anni, il risultato?... un prodotto che lo ascolti perche' e' un cd dei Kreator e poi ci giochi a frisbi,ma il solo vederlo tra i tuoi cd ti da la nausea.
Francamente, non esiste una risposta esatta o più conveniente; se l'idea di assistere a questa mutazione non radicale, ma percepibilissima, vi disturba gravemente allora è sicuro che non apprezzerete "Phantom antichrist" e dovrete cercare rifugio nella produzione passata della band o dei colleghi. Se invece siete stuzzicati da questa inaspettata liaison, avrete modo di sondare come Mille Petrozza e fidi compari siano in grado di destreggiarsi in maniera più che convincente nelle frazioni power metal e melodiche; certo, non sono i Rage, ma forse è anche meglio così se fosse il contrario saremmo difronte a un blocco di dimensioni paurose.
Questi "nuovi" Kreator sono davvero imbarazzanti e sfornano una decina di canzoni cotte un po troppo, articolate e anche violente come ci si aspetta da loro - a tratti; il problema è che disorientano, come se avessero fatto un esperimento culinario che non ci aspettavamo e ci trovassimo a degustare un bel piatto di chili e Nutella... buoni entrambi, ma assieme richiedono un po' di preparazione psicologica.
La violenza, la rabbia e il vetriolo dell'anima ci sono ancora, ma in questo frangente la band li diluisce - o meglio, li inframmezza - con soluzioni tipiche di un genere che non le è mai appartenuto e che, anche se affrontato dignitosamente, spiazza. Prendiamo dunque "Phantom antichrist" per un divertissemento, una di quelle cosa un po' pazze che spesso trovano spazio nelle discografie degli artisti più longevi. Ma speriamo che, col prossimo, il dottor Petrozza rispolveri la sua "flag of hate" e la faccia sventolare alta, senza divagare troppo.voto 4
Dani75

Ohhh finalmente recensisco uno dei miei generi prediletti .

Che dire sui Def Leppard che non è già stato detto? Che sono uno dei gruppi di punta del British Hard Rock? Che sono uno di quei gruppi capaci di sperimentare in diversi campi senza mai, però, cambiare pelle? Che hanno un batterista con una forza di volontà talmente forte da andare avanti a suonare privo di un braccio? (Uno dei più grandi esempi viventi di musicista, tenace e professionale).In effetti l'albun qui recensito è proprio quello che ha introdotto lo speciale Drum Kit semi-elettronico che ha permesso a Rick Allen di poter continuare a suonare... Si sente il sound un po' artificiale di un rullante non proprio perfetto ma è anche vero, che con il sound dei Def, sta proprio bene: semplice, incisivo, energico e chi più ne ha più ne metta!

Che dire del disco? Un puro concentrato di Energia (sì con la E maiuscola), una successione di potenziali hit da classifica ottantiani che si susseguono uno dopo l'altro. Che dire della tecnica dei musicisti? Eccelsa, assolo di chitarra potenti e anche abbastanza tamarri (non fraintendetemi nel senso anni 80, non certo truzzi!), basso serrato e pulsante che segue bene le battute del buon vecchio Allen, dietro alle pelli, che mena fendenti anche essendo naturalmente un po' limitato nei movimenti; la voce si adatta alla perfezione a pezzi del calibro di "Pour Some Sugar On Me" (tormentone molto sottovalutato), "Armageddon It", (che si può definire un inno), "Don't Shoot Shotgun" (in cui si notano molto le influenze che i canguri del Rock, gli AC/DC, abbiano avuto su TUTTI i gruppi Hard Rock della storia) e "Rocket" (con quel suo ritornello a mo' di coro da stadio che può far cantare chiunque).

La cosa che più mi chiedo è: Joe Elliot dove è finita la tua voce? O meglio come hai fatto a perderla visto che in occasione del Gods 2006 sei risultato sottotono dal primo pezzo alla fine? Naturalmente gli eccessi di un'epoca che non ritornerà più si fanno sentire sul fisico di una persona e c'è da dire anche, con rancore, che si sta spegnendo una di quelle voci da ricordare, come si stanno spegnendo tutte quelle che, anni addietro, hanno fatto emozionare, ballare e pogare un gran numero di veri appassionati di vera musica.

Tornando al disco, un'altra cosa che posso dire è che questo Capolavoro, secondo me, è la colonna sonora adatta per il divertimento più sfrenato (anche comprendente quegli eccessi di cui accennavo prima) o può anche essere "utilizzato" per una cantata a squarciagola e scacciapensieri. Bisogna anche tenere conto della resa live di questi pezzi, fenomenali da cantare e molto divertenti da riprodurre magari con il proprio gruppo amatoriale.

So di non avere dato il massimo in questa rece e so di essere stato di parte; in effetti non è bello recensire i propri cd preferiti ma, essendo poco esperto, un esperimento non fa male!!!voto 9

Dani75

Recensire un disco dei Nevermore non è mai facile, vuoi per quell'eclettismo innato che li ha sempre resi difficili da catalogare e da capire , vuoi per la difficoltà a diggerire la voce del singer che trovo non appropriata ed incatalogabile.

Sono passati cinque anni dal cd  "This Godless Endeavor",dischetto accettabile. Il suo successore, "The Obsidian Conspiracy", si presenta fin dal titolo come un disco oscuro e feroce, ma (ahimè, direbbero alcuni) si rivela essere tutt'altro, e cio' la solita pacchianata sperimentale.

A volte mi fanno pensare ai motorhead , ne ascolti uno e li hai ascoltati tutti.  I Nevermore hanno sempre fatto della sperimentazione caparbia e della scelta fuori dagli schemi  , ma il parziale cambio di rotta che si percepisce nella musica del quartetto (ricordiamo la dipartita di Chris Broderick, andato ad affiancare mastro Dave Mustaine nei Megadeth) è di quelli in grado di dividere le opinioni dei fan in maniera radicale, mi spiego meglio: gia' tutti gli album sono simili, gia' la voce e' quella che e...( per me il singer potrebbe essere utile socialmente  facendo volontariato nella nettezza urbana invece di scartavetrare i timpani dei poveri maltapitati), se a tutto questo aggiungi un tentato esperimento musicale, almeno azzeccalo o no? risultato del lavoro  solita pacchianata, mascherata, con l'intento di dare un idea innovativa, ma aime' e' sempre la solita musica.

Partiamo con la produzione ad opera di Peter Wichers, chitarrista degli svedesi Soilwork, già dietro la consolle per il disco solista di Warrel Dane "Praises to the War Machine": pur se appesantita dal "solito", cristallino e perfetto mixaggio del maestro Andy Sneap, appare evidente come la nuova scelta di suoni sia stata volta ad un ridimensionamento dell'irruenza metallica e schiacciasassi del Nevermore-sound   che come qualsiasi prodotto superata la scadenza marcisce e si perde nella ripetitivita' riferendosi a sonorita' che si riscontrano negli album precedenti.  

Non si può fare a meno di constatare come in molti frangenti il chitarrista risulti "scolastico" e poco incisivo, dedito ad un semplice esercizio di mestiere, più che ad una composizione sentita e sudata.praticamente un disco c....to a forza! Duole ammetterlo, ma questo disco dei Nevermore non si risparmia qualche riempitivo che poteva essere evitato (secondo un mio parere evitare l'uscita del cd in questione sarebbe stato piu' gratificante). 

Certo ci sono ancora le sfuriate metalliche pregne di quell'atmosfera apocalittica tanto cara ai nostri, ma si riducono a qualche canzone o ad improvvise impennate ritmiche del biondo chitarrista (un po' deludente sotto il profilo solistico, incappando troppo spesso in ripetizioni scontate). I quattro sembrano voler puntare più ad una musicalità insita nelle canzoni, più brevi, lineari e, sotto un certo punto di vista, accattivanti.                                                       

La costruzione complessa lascia il posto ad un'aggressività immediata, fermo restando le ottime prestazioni dei musicisti (Loomis comunque sottotono). 

In definitiva, se avete sempre amato il lato più progressive ed estremo dei quattro di Seattle, resterete   delusi dalla mansuetudine della chitarra di Loomis su questo album, se invece avete sempre pensato che l'ugola di Dane meritasse il foglio di via  allora molto probabilmente rimarrete della stessa opinione. Un disco onesto, semplice e, forse, pensato per catturare nuovi fan, (magari in un altra vita). Concludo con un mio pensiero:per i malati di nevermore servirebbe una lobotomia, o speriamo che trovino il vaccino per  curare questa malattia che ha come sintomo la presunzione, ripetitivita', lo stagnante modo di vedere le cose. voto 4

Dani75 & Rexor

Siete troppo buoni soci questo album per me merita massimo 3. Che obbrobbrio.TWOLFF

Mai altra entità musicale ha saputo negli anni guadagnarsi l'attenzione di due mondi così distanti e, per certi versi opposti, come il dark e il metal. A dimostrazione di questo successo trasversale, basti pensare alla frequenza con cui capita di imbattersi (che ci si trovi ad un concerto dei Cure o ad un concerto dei Mayhem è del tutto indifferente, ed è questo il bello!) nelle nere magliette dei Lacrimosa, con su stampata la faccetta del celebre clown di Stelio Diamantopoulos e il logo della band, quel "Lacrimosa", appunto, disposto ad arco, che scaturisce dalle mani del clown stesso, come se si trattasse di una magia, di un gioco di prestigio o semplicemente di un trucco scenico. E proprio come un illusionista, Tilo Wolff, autore tedesco poi trapiantato in Svizzera, ha saputo dare vita ad una grande esperienza artistica, che si è rivelata in grado si conquistare ampie fasce di pubblico, ammaliando chiunque fosse sensibile al fascino delle atmosfere decadenti e sensuali di cui negli anni, ed in forme diverse, si è dimostrato alfiere come pochi altri nella storia recente.

Malinconia, teatralità, romanticismo: queste sembrano essere le colonne portanti dell'arte di Tilo Wolff, talento visionario ed anima tormentata, la cui figura androgina lo rende il più degno degli eredi del mitico Bowie dei primi anni settanta. E come per il Duca Bianco il percorso di Tilo Wolff è una continua evoluzione: nato come one-man band, il progetto Lacrimosa si affaccia sul mercato discografico con album come "Angst" e "Einsamkeit", affreschi di inusitata angoscia e desolazione, che da un punto di vista stilistico risultano fortemente ancorati alle suggestioni elettroniche di un oscuro dark/industrial. Questi lavori costituiranno la base su cui innestare elemente sempre nuovi, e con l'aiuto di svariati musicisti, e perfino di un coro e di una orchestra, le manie di grandiosità dell'artista di Francoforte vedranno l'approdo al metal sinfonico che contraddistinguerà la fase della maturità artistica della band.

"Inferno", che a mio parere costituisce il capolavoro insuperato della band, non solo sancisce l'approdo definitivo all'universo metallico, che il buon "Satura" aveva fatto intuire. "Inferno" celebra anche e soprattutto l'ingresso nella formazione di Anne Nurmi, alter ego al femminile di Wolff. E' infatti proprio durante il tour di "Satura" che Tilo Wolff assistendo ad una esibizione dal vivo della band finlandese "Two Witches" (spalla degli stessi Lacrimosa), rimane letteralmente folgorato dal carisma prorompente della loro cantante-tastierista. I suoi sforzi per coivolgere la ragazza nel suo progetto saranno premiati, e così, in virtù di una profonda affinità artistica, il sodalizio ha finalmente luogo, esce l'EP apripista "Schakal" e i Lacrimosa divengono a tutti gli effetti un duo.

Con "Inferno" la formazione si allarga ulteriormente a Jan Yrlund, Jan P. Genkel e AC (ex batterista dei power metaller teutonici Running Wild!!!), che, pur ricoprendo semplici ruoli di turnisti, e non partecipando quindi alla stesura delle musiche, avranno un peso assai rilevante nella svolta intrapresa dalla band: nel 1995, anno di uscita dell'album, i Lacrimosa non sono più un gruppo dark, ma suonano metal a tutti gli effetti, con tanto di chitarroni, basso bastardo e batteria pestona, sull'onda del successo di band come My Dying Bride e Paradise Lost. Ma l'anima decadente e visionaria di Tilo Wolff rimane unica ed inconfondibile, e il legame con il passato anche remoto è tangibile e ben evidente, a dimostrazione di una personalità forte e di una visione poetica ben definita: le atmosfere circensi, la teatralità, la spiccata sensibilità melodica, le visioni desolanti, che qui si arricchiscono della bellissima voce della Nurmi (fra Jarboe e Siouxsie) e delle trame sinfoniche ad opera della stessa, fanno di questo "Inferno" un gioiello ineguagliato di eleganza e struggente malinconia.

Lunghe composizioni si susseguono, più o meno assestate su tempi medi, tutte con l'intento di dipingere un mondo fatto di solitudine, amore perduto e dolore, ma senza mai esasperare l'ascoltatore, dato che l'eccessiva pesantezza legata ai temi e agli umori dell'album è smorzata da una fantasia compositiva fuori dal comune, dalla cura e raffinatezza degli arrangiamenti, e dalla perizia dei musicisti coinvolti. Il sound dei nuovi Lacrimosa non è più quello scarno ed essenziale che aveva caratterizzato i primi lavori: il sound odierno della band è imponente ed elegante come una cattedrale gotica, opprimente a tratti, ma anche maestoso e pregno di atmosfere suggestive. Fra possenti riff di chitarra, maestose orchestrazioni e struggenti partiture di pianoforte, senza dimenticare una spennellata qua e là di violoncello che fa sempre atmosfera, a farla da padrone è ovviamente la caratteristica voce di Tilo Wolff, acida e sgraziata, a tratti grottesca, forte del suo tedesco sputacchiato, che potrà anche non piacere, ma che nel tempo è divenuta, volenti o nolenti, un tratto distintivo della band, senza la quale non potremmo immaginarci oggi la musica dei Lacrimosa. Ma anche le orchestrazioni di Anne Nurmi diverranno un punto di forza della band, mentre, a livello vocale, la carismatica cantante di limiterà a rifinire i lamenti ossianici del buon Tilo, ritagliandosi comunque un ruolo da protagonista nella bellissima "No Blind Eyes Can See".

Quanto ai singoli brani, dire che sono semplicemente belli è poco. La brillantezza del song-writing, l'architettura sempre complessa delle strutture (per lo meno rispetto ai canoni del genere), la quantità di soluzioni tecniche, l'intensità interpretativa fanno di ciascun brano un piccolo capolavoro, e pur partecipando ad un unico flusso emozionale, ogni composizione brilla a tutti gli effetti di luce propria, e non è un caso che quasi tutti i pezzi qui contenuti diverranno classici della band: "Kabinett der Sinne", "Versiegelt Glanzumstromt", "Schakal" (forse il miglior pezzo scritto dai Lacrimosa) e "Vermachtnis der Sonne" rimarrano per molto tempo nella scaletta delle esibizioni dal vivo. L'intro sinfonico che fa da preludio all'opera diverrà il celebre "Lacrimosa theme"destinato ad aprire i concerti, mentre la coinvolgente "Copycat" (fra post-punk, dark e power metal!) è il classico dei classici dei Lacrimosa, chiamata a chiudere per sempre i live e a presenziare costantemente nelle serate danzerecce di ogni gothic club che si rispetti.

L'avventura di Tilo Wolff e Anne Nurmi continuerà sulla scia di quanto combinato in questo "Inferno", che diverrà il nuovo standard per il futuro, all'insegna di lavori sempre più raffinati e meglio confezionati: "Stille", "Elodia", "Fassade", lavori formalmente perfetti, andranno via via ad esasperare la componente sinfonica, fino a che in "Echos" verranno recuperate le sonorità electro-dark degli esordi, rilette alla luce del bagaglio esperenziale nel frattempo maturato (dell'ultimo "Lichtgestalt", che non mai avuto il piacere di ascoltare, non so dirvi niente, e in tutta sincerità non ho ben chiaro se la band si sia sciolta o meno, dato che è un bel po' che non ne sento parlare).

Tilo Wolff, sempre più compositore classico, diverrà una specie di Renato Zero della Morte e la sua musica, sempre più vittima del suo egocentrismo straripante, finirà per soffrire di ridondanza, manierismo ed eccessivo auto-compiacimento. Se il livello qualitativo rimarrà comunque più che buono, è in questo "Inferno", secondo me, che, pur con le sue imperfezioni e i suoi aspetti migliorabili (che infatti verranno migliorati dai pregevoli successori), il duo sembra raggiungere la quadratura del cerchio, offrendoci i suoi frutti migliori.

P. S. tutti quelli che si chiedono dove sia finito il pagliaccetto di Stelio Diamantopoulos (la copertina è cavallerescamente dedicata all'angelo darkettone che va a rappresentare la new-entry Anne Nurmi) possono stare tranquilli: basta osservare il prolungamento della copertina nel booklet interno e lo ritroviamo sperticato sul cornicione di un grattacielo a suonare imperterrito il suo violino...

E' inutile dire che quest'album è ti bombarda di emozioni e cariche di pura maestranza. Assolutamente voto 10.TWOLFF

Ascoltare questo album potrebbe provocarvi una "reazione cognitiva e fisica" e, in alcuni casi, anche "alterazioni somatiche diffuse". No, non sono impazzito, non ancora almeno. Prima che qualche parente o qualche discografico dei Lacrimosa, dopo aver letto la prima riga, mi denunci per diffamazione, è meglio precisare che quelli sono gli effetti di una sensazione chiamata volgarmente "emozione". Ebbene si, quest’album è capace di emozionare l’ascoltatore. Ma facciamo un passo indietro. L’album in questione si chiama "Fassade", uscito nel 2001, a dieci anni esatti dall’entrata nella scena gothic di questo gruppo. I componenti principali sono il tuttofare, eccentrico, carismatico Tilo Wolf e la sua compagna, l’affascinante Anne Nurmi. E sono proprio loro a rendere unici al mondo i Lacrimosa, talmente unici, da rendere difficile qualsiasi classificazione: in "Fassade", si può ben notare come "la musica classica ha una potenza tale da rivaleggiare con quella del genere metal, la cui unione rafforza il risultato, non rendendolo anacronistico o risibile". (ndr Parole dello stesso Tilo Wolf, in riferimento all’album qui recensito).

Momenti lenti e riflessivi si alternano a parti più ritmate e potenti, ma col comune denominatore di un senso di sofferenza e tristezza. La voce di Tilo, ora sussurrante, ora roca, ora straziante, dà un’intonazione angosciante alle tracce, conferendogli quel tocco di gothic che solo lui sa dare. L’album si apre con Fassade - 1.Satz, l’atmosfera è "classicheggiante", oserei definirla divina, la voce di Tilo all’inizio risulta essere quasi straziante, ma man mano che i nove minuti passano ci si abitua e ci si inizia a calare in questa nuova realtà. Le chitarre duettano con gli archi, cori maestosi alternano la voce maschile: l’inizio è senza dubbio ottimo. La seconda traccia, Der Morgen Danach, è una sorta di ballata; è probabilmente la più orecchiabile e facile da assimilare di tutto l’intero album, e proprio per questi motivi, è anche la meno apprezzata dagli appassionati del gruppo, un po' troppo poco originale forse. Intendiamoci, se questa canzone l’avesse fatta Luca Dirisio (non sapete chi è? Beati voi), probabilmente si sarebbe gridato al capolavoro, ma dai Lacrimosa ci aspettiamo qualcosa in più, quel qualcosa in più che infatti non tarda ad arrivare. La terza song infatti, Senses, l’unica in lingua inglese, torna a farci sognare. La voce stavolta è di Anne, voce suadente, decisa, ma per certi versi anche dolce; da segnalare un assolo di chitarra alla fine del minuto quattro, davvero da capogiro, che sottolinea la bravura incontestabile di Tilo nel sovrapporre suoni e strumenti. Waruf so Tief? viaggia sugli stessi binari, solo che ritroviamo la voce di Tilo al posto di quella di Anne. In Fassade - 2.Satzl’atmosfera è quasi sacra, l’orchestra sale in cattedra e cori lirici non fanno che sottolineare la bellezza del pezzo. Arriviamo alla sesta Liebesspie; a dire il vero l’atmosfera tirata e straziante fin lì prodotta inizia ad essere pesante, ma ecco che questa traccia cambia del tutto registro rispetto a quelle passate: i suoni sono più metal, decisi riff di chitarra, voce più profonda e più roca, quasi "cattiva" per intenderci, mista a voci femminili che potremmo definire quasi surreali: il risultato è un pezzo originale che si candida come migliore del disco, forse anche perchè è la più diversa dalle altre. Ma tutta la carica con cui ci ha lasciato questo pezzo svanisce immediatamente con l’inizio di Stumme Worte, canzone decisamente lenta, in cui i duetti fra archi e pianoforte la fanno da padrona. Siamo già arrivati all’ultima canzone, l’ottava, Fassade - 3.Satz, in cui pesanti sonorità gothic sono contrapposte ad un accompagnamento orchestrale di tutto rispetto.

L’argomento dominante di "Fassade" è l’intensa analisi della psiche umana, e il suo confronto con gli aspetti religiosi. In conclusione, possiamo parlare di un altro ottimo lavoro di Tilo & C., forse non il migliore della loro carriera, ma sicuramente un album di tutto rispetto.

Cos'altro aggiungere di questo album? A mio parere è uno dei più belli che Tilo abbia composto, direi al 4°posto della mia classifica. Voto (NB) 8.5.TwOLFF

Nel 2003, dopo tanti anni di attesa, i Metallica pubblicano St. Anger, l’album che nell’intento della band e dell’odiato produttore Bob Rock avrebbe dovuto ricucire lo strappo con i fans del passato delusi dalle sperimentazioni e dalla scarsa qualità di garage inc..
Ritorno al metal, dunque, per la gioia di tutti ma, purtroppo, evidentemente solo nelle favole c’è un lieto fine.
Certo è indubbio che le sonorità hard rock del passato siano un lontano ricordo e che le tracks presenti in St. Anger (dalla copertina che definire ORRIBILE è puro eufemismo) virino in modo netto verso l’heavy ma, purtroppo, il risultato finale è davvero deludente.
In primo luogo dobbiamo evidenziare la pessima qualità della registrazione: il suono della batteria di Lars Ulrich, per esempio, può essere paragonato a quello che si ottiene utilizzando fustini di detersivo di sottomarca!
I componenti del gruppo si giustificarono affermando che era loro intenzione ricavare un sound uguale a quello prodotto negli anni ottanta registrando nei garage (INC. forse? MMMMahhhh); il prodotto conclusivo di questa bella idea (uah) è che gli undici brani contenuti in questa release ne risultano gravemente danneggiati, se non irrecuperabili proprio!!
Altre osservazioni:
- l’eccessiva lunghezza dei pezzi che alla fine stancano l’ascoltatore anche perché la qualità delle composizioni è scarsa;
- lo spazio per gli assoli di Hammett ed Hetfield è davvero ridotto all’osso in favore di riff pesanti, peraltro poco vari e spesso insignificanti;
- la presenza di sonorità vagamente nu-metal (alla Korn per intenderci meglio che si rilevano chiaramente nel suono distorto del basso) da sempre odiate dal vero metallaro.
Curiosità: la band iniziò a registrare l’album nell'aprile del 2001 con al basso il famigerato Bob Rock al posto di Jason Newsted che sarà, poi, sostituito definitivamente dall’ex Suicidal Tendencies Robert Trujillo.

Cosa possiamo salvare da questo ennesimo capitombolo dei Metallica?
Sicuramente niente.

Sinceramente è inutile andare avanti: l’album prosegue annoiando è questa l’unica incontrovertibile realtà.
Nelle intenzioni dei Metallica il sound doveva avere un impatto violento sull’ascoltatore (ma solo, data la pesantezza, se te lo lanciassero in testa), mediante l’utilizzo di sonorità grezze e di un cantato duro e arcigno; di fatto il risultato finale è deprimente oltremisura. Troppi, davvero troppi, i momenti di stanca e poche le luci.

Ragazzi, pensate che sia un caso che dal 2006 i Metallica non eseguano nei loro shows brani da St. Anger?
Penso proprio di no, pure loro si saranno resi conto di aver creato alla grande il gran visir de tut le block.
In un sito internazionale dedicato al metal (non dico quale per non fare pubblicità agli altri) St. Anger viene giudicato il peggior disco di tutti i tempi.

E' davvero da far pena pensare a quelli che hanno acquistato l'edizione limitata che, hanno avuto la sfortuna, oltre che di ascoltarli,  di osservarli in tutto il loro splendore suonare queste orripilanti note.

E pensare che esisterà sempre qualcuno che, non capendo proprio nulla del genere, dirà: SOLDI SPESI BENE!!!

Sfido chiunque ad azzardare nel votare questo "capitombolo" a più di 2.

Dany75, Rexor e Twolff: voto 1 

GRANDE ATTESISSIMO LAVORO DEI LACRIMOSA, PER LA PRECISIONE UNDICESIMO FULL LENGHT ALBUM IN STUDIO, DOPO L'USCITA DELL'ANNO SCORSO DEL DOPPIO CD IN ONORE DEI VENTI ANNI DI CARRIERA E DOPO TRE ANNI DALL'USCITA DI SEHNSUCHT, DECIMO STUDIO ALBUM, CI TROVIAMO DI FRONTE ALL'ENNESIMO, CURATO, BEN COMPOSTO E SUONATO LAVORO DI TILO WOLFF.

PARTIAMO COL DIRE CHE CI SONO PRESENTI TRE COMPONENTI DI UN CERTO RANGO:Henrik Flyman (EVIL MASQUERADE) alla chitarra, Mille Petrozza (KREATOR) e Stefan Schwarzmann (ACCEPT). 

C'E' SUBITO DA DIRE CHE SI TRATTA DI UN DISCO CON SONORITA' HEAVY PIU' MARCATE DEL SOLITO; ABBIAMO A CHE FARE CON ALCUNI PEZZI, IN PARTICOLAR MODO LA TITLE TRACK, DOVE LA CHITARRA E' PIU' ACCENTUATA E IMPONENTE, LA BATTERIA SUONA CON PASSAGGI PIU' TECNICI. POI COSA DIRE DEL CANTATO E DELLA PARTE ORCHESTRALE? ASSOLUTAMENTE, SEMPRE A MIO AVVISO, ORIGINALI E TRAVOLGENTI. 

GIA' L'OPENER TRACK DA UNA IDEA DEL CAMBIAMENTO, MOLTO BEN FATTO A MIO PARERE, MUSICALE E ORCHESTRALE. COSI' COME If The World Stood Still A Day, CANTATA DALLA SPLENDIDA VOCE DI ANNE NURMI, IL TERZO BRANO, Verloren, DA UNA IDEA PROPRIO CHIARA DI CHE TIPO DI ALBUM STIAMO PARLANDO. MA E' INUTILE PARLARE DI OGNI SINGOLA CANZONE PERCHE', SI SA, GLI ALBUM DEI LACRIMOSA SONO MAN MANO CHE SI VA AVANTI PIENI DI SORPRESE, QUINDI BISOGNA ASCOLTARLO DALL'INIZIO ALLA FINE PER POTER GIUDICARE. PER QUANTO MI CONCERNE, A MIO MODESTO PARERE, GIUDICANDO DA FAN E COLLEZIONISTA ACCANITO DA ORMAI TREDICI ANNI DI QUESTA BAND, POSSO SOLTANTO CONFERMARE L'ENNESIMO OTTIMO LAVORO CHE TILO HA CREATO. MIGLIORE A MIO AVVISO DI SEHNSUCHT E, SEPPUR CON INNOVAZIONI MUSICALI, ANCHE SE PARLIAMO DI DUE ALBUM DIVERSI, DA LE STESSE EMOZIONI DI LICHTGESTALT. PER GLI ACCANITI COME ME CI SI SENTE MOLTO APPAGATI SCOPRIRE DI ANNO IN ANNO, E DOPO 21 ANNI DALL'ESORDIO, CHE BAND COME QUESTA NON TI DELUDE MAI E, SOPRATTUTTO, CONTINUA A FARTI SOGNARE NON PERDENDOSI IN NOIOSE E RIPETITIVE MELODIE. SECONDO ME E' UNA DI QUELLE BAND CHE HA TANTO DA RACCONTARE ANCORA.

IL MIO VOTO: 9

TWOLFF 

Detto così, farebbe andare di squaraus selvaggio anche il sottoscritto, che quanto a pessimi gusti musicali se ne intende un pochino. E, in effetti, quando si parla di metallo estremo imbastardito da orchestra, tastierine, coretti e pasticceria varia il primo nome che in genere balza alla mente è: Dimmu Borgir, nonché tutte le porcherie che ci hanno propinato nello scorso decennio fino al mediocre “Abrahadabra”. Non per niente quando qualche anno fa sentii parlare dei Septicflesh e della loro proposta musicale mi scoraggiai parecchio, prestandomi così con una certa riluttanza all’ascolto di “Communion” (2008), esplosivo comeback del gruppo dopo lo scioglimento nel 2003. Inutile dirlo, il lavoro svolto da questi quattro demoni greci mi sembrò per fortuna non una, ma dieci spanne sopra i loro “cuginetti” (ex-)blacksters dalla fredda Norvegia.

Senza contare il fatto che nessun membro del gruppo voglia conciarsi come se dovesse partecipare al carnevale true grim di Oslo con tanto di copricapo-polipesco reale e scettro di Sailor Moon, il quartetto greco ha un’attitudine un po’ più onesta e diretta col proprio pubblico: insomma, si punta più sull’arrosto che sul fumo. E se con “Communion” di arrosto ne avevamo di che saziarci, posso assicurare che questa nuova “Grande Messa” (2011) sarà destinata a diventare col passare degli ascolti una “Grande Grigliata”. Di carne umana, ma questi sono dettagli.

Non si può negare però che questa volta i Septicflesh abbiano voluto fare le cose in grande: supportati da una massiccia dose di pubblicità, una produzione stellare e, di nuovo, un’intera orchestra con cori annessi, ci consegnano quella che è la loro opera più ambiziosa e, a detta di chi scrive, anche più completa e matura di sempre.

Quali sono le differenze rispetto a “Communion”? In realtà poche, se non nessuna. Il genere resta sempre quello: un death metal roccioso (ma non troppo), rimpolpato dall’orchestra sempre presente (ma non troppo), impreziosito da sfumature mediorientali (non solo musicali!) che sembrano ricalcare un po’ gli ultimi lavori di Behemoth, Nile e compagnia accadico-assiro-babilonese-vattelapesca varia. Allo stesso tempo però possiamo riscontrare una maggiore pienezza nelle composizioni (stavolta davvero curatissime, varie, imprevedibili, ricche di particolari) e un uso ancora più versatile e coerente delle orchestrazioni, divenute vera e propria ossatura dei brani. Insomma: quasi zero novità, ma un lavoro di consolidamento impeccabile; e non è un caso che si stiano facendo notare così tanto nella scena ghisallara per quest’ultima uscita!

A conferma di quanto detto finora basterebbe dare un ascolto all’opener e singolo-antipasto “The Vampire From Nazareth”, seguito a rotta di collo da “A Great Mass Of Death”: la prima è spaventosamente cinematografica, uno spietato ed elegante cingolato pilotato da Pazuzu in persona pronto per fare la sua porca figura in sede live, mentre la seconda si snoda audacemente tra aperture epiche, ritmiche contenute ma serratissime, stacchi classicheggianti da colonna sonora per poi infine schiantarsi a tutto gas in un’orgia di sferragliate metalliche, cori invasati e orchestrazioni orgasmiche. E questa era solo la doppietta iniziale!

“Pyramid God” è un’ incalzante scalata in mid-tempo destinata anch’essa a venire risucchiata dalla filarmonica sul finale, ed episodi come l’inquietante “The Undead Keep Dreaming” e soprattutto la desertica “Oceans Of Grey” (preferita dal recensore!) non fanno che risaltare l’aura di sinistro misticismo di cui è intrisa questa grande messa/grigliata. Per non parlare poi della schizzatissima “Mad Architect” dove i nostri greci sembrano aver bevuto qualche litro di caffè di troppo e il tutto si traduce in una parossistica sfilata di orrori, incubi, visioni ancestrali e chi più ne ha più ne metta.

Nota a parte per il cantato pulito di Sotiris: personalmente l’ho sempre trovato fuori luogo (se non irritante) soprattutto nei brani di cui è vero protagonista: in questo caso “Rising” fa un po’ il verso alla “Sunlight/Moonlight” presente in “Communion” e il risultato è più o meno lo stesso, ossia ammosciante e privo di mordente. Sembra quasi che i Septicflesh vogliano variare a tutti i costi, e forse non sanno che in realtà non hanno affatto bisogno di certi espedienti. Sfortunatamente la storia si ripete con l’ultimo brano “Therianthropy”: dopo tutto il ben di Di... ehm, di Ishtar propinatoci finora, i Septicflesh decidono di concludere affidandosi ancora una volta ad arrangiamenti sì eleganti, ma un po’ insipidi e appiattiti dal timbro nasale di Sotiris; insomma, dopo la supergrigliatona colossale, arriva la Clerici col suo grand soleil a rovinare il tutto.

A dispetto di certe piccole cadute di tono, comunque, un lavoro di classe come “The Great Mass” è un’autentica manna per il mercato metalloso degli ultimi tempi, specie se confrontato coi vari pretenziosetti “Abrahadabra” che riescono solo ad impacchianire un genere musicale ormai spremuto e rivoltato all’inverosimile. In ogni caso siamo di fronte ad un gioiellino di rara qualità destinato ad entrare nelle classifiche 2011 dei metallari più indefessi, tra i quali mi inserisco con una certa circospezione...

Intanto, caro il mio Shagrath, prendi nota. voto 9

Dani75

Sicuramente quando sentiamo la parola Heavy Metal la prima cosa che ci passa per la mente o che riusciamo ad associarci sono gli Iron Maiden, e come darvi torto, infatti la band di Steve Harris e soci è riuscita a dare alla luce negli anni dei capolavori che hanno fatto la storia della musica, entrando di diritto nei cuori di milioni di fans in tutto il mondo, me compreso, confermandosi del tutto con "Seventh Son Of A Seventh Son", uscito nel 1988. A proposito di capolavori dell'heavy metal, proprio nel 1988 i Running Wild, glorioso gruppo appartenente alla fiorente scuola metal tedesca, riesce a fare il colpaccio grazie allo spiazzante "Port Royal".Uscito ad un anno di distanza dal precedente "Under Jolly Roger", esso rappresenta a mio avviso l'episodio più felice del primo periodo della band, formatasi nei primissimi anni degli eighties per mano del chitarrista-cantante Rock'N'Rolf Kasparek, che tiene ancor'oggi le redini dei Running Wild.

"Port Royal" ha il pregio di riuscire a rappresentare l'heavy nella sua forma più grezza, dalla copertina (che assieme all'intro viene ambientata in una locanda di Port Royal) alle canzoni, che presentano una struttura poco complicata e dei testi molto pungenti, come capitan Kasparek sa fare. Ci tengo in ogni caso a dire che questo discone, nonostante la disarmante semplicità con cui è confezionato, si presenta a mio parere sicuramente come uno dei migliori dischi dell'heavy metal fatto a vecchia maniera, grazie alla presenza di undici canzoni che non mi vergognerei a definire come undici capolavori, che tenterò ora di esaminare.

Subito dopo l'intro arriva il turno della Title Track, a mio avviso il pezzo forte del disco e uno dei migliori dei quattro pirati, perfetto sotto ogni punto di vista, che ci catapulta su un'altra perla quale è "Raging Fire", pezzo molto apprezzato dai fan. Quarta traccia che troviamo è "Into The Arena", altra perla del disco, che può vantare un riff di apertura e un ritornello tra i migliori che abbia mai ascoltato... Headbanging assicurato! Arriva ora il turno di "Uaschitschun", un'altra delle tante canzoni splendide contenute in quest'album, alla cui fine viene letto un proverbio indiano (che in molti dovrebbero ripassare), dopodiché troviamo "Final Gates", bella strumentale che ha il compito di introdurre una canzone che viene considerata tra le migliori dei Running Wild, cioè "Conquistadores", epicissima song che tratta delle opere compiute dai conquistadores Spagnoli nell'America meridionale: un capolavoro. Ottava canzone è l'interessantissima "Blown to Kingdom Come", seguita a ruota dalla classica "Warchild", presente, anche se in una versione totalmente diversa nella loro prima demo targata '81. Infine, dopo la penultima"Munity", l'unica canzone che non mi convince più di tento, arriva il turno della finale "Calico Jack", che racconta la storia e il processo del corsaro John Rackham.

Inutile dire che questo discone sia suonato in maniera splendida e tengo a sottolineare la superba Prova di Jens Becker, che svolge in maniera pressochè ottima il suo ruolo di bassista, per non marlare poi del drummer Ian Finlay e delle chitarre di Majk Moti e Rock'n'Rolf, impegnate a sostenere la voce di quest'ultimo.
Spero solo che tutto questo mio entusiasmo non abbia sporcato la straripante bellezza di questo cd, che qualunque appassionato di heavy dovrebbe vergognarsi di non possiedere e che si presenta come uno dei dischi più belli che abbia mai sentito, spero sia lo stesso per voi... 
Beh, arrivati a questo punto mi resta da dire solo un'altra cosa: W I PIRATI DEL METAL!!!!!!!!!! >/p>

E' proprio vero, il vero heavy metal risale agli anni 80 - 90. 

Questo album è una delle perle della collana del metal.Voto 9.

TWOLFF

Grande lavoro per gli ellenici capitanati da Sotiris (già mente dei sottovalutati Chaostar), tredici canzoni nel complesso tutte ben costruite ed arrangiate, nelle quali si respira solennità e poesia, elementi chiave della tragedia greca.Devo essere sincero: dopo il maestoso intro "Behold...the Land of Promise" non mi aspettavo senza dubbio una canzone scialba, monotona e senz'anima quale "Unbeliver" (se il buon giorno si vede dal mattino...).Falso allarme per la fortuna di ogni compratore di tale dischetto ottico: Sumerian Daemons si rivelerà, ascolto dopo ascolto, un condensato di musica ben composta e soprattutto ottimamente eseguita, nella quale troviamo spunti mai banali, ma al contrario coinvolgenti e ben costruiti ("Virtues of the Beast" è forse la migliore song dell' intero lotto, così come "Magic Loves Infinity").
Il disco evoca, in alcune parti, i migliori Moonspell (ai tempi di "Wolfheart") e in alcuni passaggi gli elvetici Samael (soprattutto per l' uso di alcune parti tastieristiche); stiamo parlando di un'impalcatura sonora costruita su mid-tempos talvolta inframezzati da accelerazioni di matrice black metal, sfuriate "contenute" e brevi che però non fanno altro che spezzare ritmicamente un tessuto tramato di oscurità e buon gusto.Leggermente monocorde la voce del buon Sotiris, quel semi-growling che non reca fastidio al timpano, senza però aggiungere nulla alla parte musicale.A parte questa piccolezza, produzione ottima ed eccezionale artwork danno la stoccata decisiva al mio giudizio.

Devo ammettere che l’opener ‘Unbeliever’ mi aveva fuorviato fino all’esagerazione.

Difatti, di seguito al proemio di ‘orffiana’ memoria ‘BeHold…The Land Of Promise’ irrompeva un motivo brutale, selvaggio, riconducibile ad un death grossolano e minimale, compresi blast-beat a dismisura, growl lancinanti e riff stereotipati. Neppure prima dell’esordio questi discendenti della gloriosa terra di Platone pestavano con tale accanimento.

Effettivamente le dichiarazioni preventive di Sotiris e soci facevano presupporre ad un ritorno al passato, non però ad una sorta di trapassato…

In seguito, quando gli interrogativi adottati dall’uso comune affioravano e divoravano le cellule cerebrali in maniera anche piuttosto prepotente (Ma cosa sarà successo? Ma perché si sono messi a fare ‘sta roba?), l’insieme di queste invero sciocche osservazioni si dissolvevano subitaneamente all’ascolto di tutte le successive canzoni che centravano perfettamente il bersaglio amalgamando i primi tre capolavori della band e congiungendo al tutto un’infinita quantità di cori epici da brivido (fantastici i gorgheggi della soprano-singer Natalie Rassoulis, ripresa repentinamente in formazione) che riportano alla mente le migliori intuizioni dei Therion (Theli-era).

Il tutto, o a velocità sostenute, ‘Faust’, la title-track e ‘Red Cold Cult’ ne sono lampanti esempi con le loro fughe melodico-blackeggianti che le fanno assimilare alle tracce contenute nel prezioso debutto ‘Mystic Places Of Dawn’, o nel modello più cadenzato, maggiormente evidenziato dai nostri nel binomio ‘Esoptron’ / ‘Ophidian Wheel’ con ‘Virtues Of The Beast’, ‘Dark River’ e ‘When All Is None’.

Come al solito nella dimora degli ellenici non mancano le sperimentazioni con le più electro-oriented ‘Magic Loves Infinity’ e ‘Mechanical Babylon’. Sempre in primo piano i dispotici e leonini growl di Set “H” (prima si faceva denominare Spiros…), che erano stati al contrario messi in naftalina nel precedente ‘Revolution DNA’ e, comunque, è semplicemente impresso a fuoco il trademark Septic Flesh in tutte composizioni.

Lo ‘schiaffone’ iniziale? Altro non serviva che per far emettere il primo vagito alla nuova, malevola creazione…voto 8,5

Dani75

Sono gli ultimi mesi del 1997 quando, come un terremoto, gli Hammerfall fanno riscoprire al popolo metallico la passione per le vecchie sonorità anni '80. Ma in quel periodo non esplode solo il fenomeno Hammerfall. Esplode anche (e soprattutto) il fenomeno Rhapsody. E stavolta il gruppo è "addirittura" italiano!
Già, finalmente dopo anni di oblio, di buoni intenti, di buoni gruppi spesso snobbati, di buone recensioni (anche internazionali) ma di scarse vendite un gruppo italiano riesce a destare l'attenzione dell'audience europea. Quasi dal nulla saltano fuori questi triestini, forse un po' presuntuosi ma dalle indubbie capacità, con uno stile molto personale che unisce sapientemente le tipiche sonorità e l'immediatezza del power ad elementi tipici medievali ed orchestrazioni ricercate molto classicheggianti (che a tratti ricordano i Royal Hunt di "Moving Target"). A tutto questo va aggiunta, oltre al largo uso di strumentisti per rendere le orchestrazioni più vere possibili, una produzione impeccabile affidata alla coppia Paeth/Miro (che proprio al lavoro con i Rhapsody deve la fama raggiunta). Gli elementi portanti del gruppo sono il chitarrista Luca Turilli e il tastierista Alex Staropoli che, per scelta, sono anche le uniche due menti compositive del gruppo. A loro due va aggiunto il singer Fabio Lione, già conosciuto per la sua militanza nei Labyrinth (anche se usava uno pseudonimo…), che con il suo modo teatrale di cantare sembra essere l'unico interprete possibile per la musica dei due triestini.

Tante sono le perle racchiuse in questo disco, a partire dalle due traccie iniziali: Ira Tenax è coro latino molto oscuro in stile Carmina Burana a cui fa seguito la dirompente Warrior of Ice (dopo l'ascolto della quale mi catapultai in negozio ad acquistare il cd!). Seguono, in ordine sparso, i delicati momenti "medievali" di Forest of Unicorn o della stupenda tiltle track e le imperiose sfuriate di Flames of Revengee Lord of the Thunder, passando per la saltellante Land of Immortals o l'oscura Rage of the Winter. Praticamente un disco dove tutto è al suo posto, con molti cambi d’atmosfera ma senza cali di tensione, neanche nei momenti più drammatici di canzoni come Echoes of Tragedy. A livello di lyrics i brani sono incentrati sulla Emerald Sword Saga, un racconto fantasy interamente inventato da Turilli che rivela subito le ambizioni del gruppo: infatti già da questo primo lavoro l'intenzione era quella di far proseguire la storia per altri 3 o 4 dischi (cosa peraltro riuscita).

Tirando le conclusioni questo è il punto di inizio dell' Hollywood Metal (termine coniato dai nostri), che tanto ha influenzato e sta ancora influenzando la scena europea (soprattutto italiana e spagnola), un disco immancabile per gli affezionati del genere. Capostipite.

Tracklist:

1. Ira Tenax 
2. Warrior of Ice 
3. Rage of Winter 
4. Forest of Unicorns
5. Flames of Revenge 
6. Virgin Skies 
7. Land of Immortal
8. Echoes of Tragedy
9. Lord of Thunder 
10. Legendary Tales

(Recensione presa da internet)

Assolutamente d'accordo. Album bellissimo. Voto 9. TWOLFF

Difficile ubicare un gruppo del genere in ambito metal, perchè "secondo il mio modesto parere", nessun'altro aveva espresso, con tale musica, una così malata dolcezza. L'album è un valido esempio di quello che chiamiamo "Gothic Metal", ma offre atmosfere non cupe e minacciose, bensi crea arie più tristi e afflitte, ma non solo: presenta forti spunti prog - rock e persino folk; ogni canzone è caratterizzata da una forte malinconia: mai scontate e immancabilmente disperate; infine, le partiture orchestrali, rendono il disco magicamente appetibile e accessibile a tutti.

Questa testimonianza d'arte è divisa in brani più introspettivi, come "Not every pain hurts", intro di fisarmonica tipo musica da circo e "Stolzes Herz", ancor più deprimente; e canzoni più articolate, complesse e dure, come Siehst du mich im licht, Make it end, Deine nahe, che, come detto prima, rispecchiano vari elementi Prog, soprattutto in termini di lunghezza.

Ottimo album di questo duo tedesco. Non vi aspettate il pop dei Cure o il metal dei Nightwish ed Evanescence, perchè l'unica cosa che li accomuna è il malessere che sanno trasmettere alle nostre menti; inoltre, non si fa uso delle tastiere, "a differenza di molti altri", ed usano al loro posto, arrangiamenti tipicamente appartenenti alla musica classica. 

Voto 8.5 by TWolff.

Il disco di cui sto per parlare è stato per la band in questione, i Paradise Lost, non un disco "normale", ma bensì il disco che ha creato la spaccatura tra i fans ed il punto di svolta fondamentale della loro carriera. Dopo L'enorme successo riscosso con il capolavoro Draconian Times i Paradise Lost mutano di nuovo pelle e pubblicano nell'estate 1997 "One Second".

Il disco destò subito moltissime polemiche. I fan della band si divisero in due fazioni. I seguaci più ortodossi mossero accuse di commercializzazione, quelli più aperti invece apprezzarono il cambiamento continuo nel sound della band. Infatti il problema di questo disco è quello di essere il capitolo che segna l'allontanamento dal Metal da parte del gruppo di Halifax, Metal che riappare in qualche brano qua e là ma nulla più. Il sound si fa più morbido e l'aggressività diminuisce drasticamente rispetto al disco precedente. Le chitarre cedono parte del loro spazio che va a favore di influenze elettroniche e synth-pop.
Questa è sostanzialmente la grande novità di questo "One Second". Per la prima volta i Paradise Lost ricorrono all'eletrronica e alle influenze dark, scelta che verrà mantenuta e si evolverà forse anche troppo nei dischi successivi. Il risultato è tuttavia un Metal/Rock molto Dark tutt'altro che deprecabile. Ciò che rimane in evidenza è infatti la capacità della band di scrivere pezzi molto orecchiabili, ma non scontati o banali.

La carta vincente di questo disco è il massiccio uso di ritornelli melodici (azzeccati alla grande dal singer Nick Holmes, che rinuncia ad usare la sua voce in modo più aggressivo) e di facile ascolto. Ne è prova ad esempio l'iniziale title-track toccante ballata elettronica che mantiene viva la tradizionale vena malinconica del gruppo. I pezzi sono vari, coinvolgenti e in alcuni casi addirittura esaltati, vedasi "Say Just Words" trascinante pezzo Metal dal ritonrnello anthemico, o l'inquietante "Blood Of Another". Il disco ha comunque i suoi punti deboli che stanno forse nell'essere in alcuni passaggi troppo edulcorato e melodico, passaggi che se sono belli al primo ascolto alla lunga mostrano qualche pecca evidente.

Un album in sostanza sfortunato, che soffre tantissimo il confronto con il precedente Draconian Times (disco di caratura nettamente superiore) e che all'epoca destò troppe divisioni, troppe polemiche per essere giudicato con occhio obbiettivo, ma che comunque ha segnato un passo importante nel panorama Gothic grazie alla qualità di un pugno di canzoni che tuttora hanno influenza sui gruppi attuali della scena.

Voto 8.5

TWolff

Erano passati solo pochi mesi da quando, con l'uscita dello storico "Agent Orange" ('89), Tom Angelripper e soci si sono tolti lo sfizio di far fare un bel giro in bicicletta senza sellino a molti dei loro detrattori.

Da un lato, infatti, l'ingresso in formazione del chitarrista Frank "Blackfire" Gosdzik ha saputo spazzare via anche le ultime incertezze compositive che la band si trascinava dietro sin dai tempi dell'EP d'esordio "In The Sign Of Evil" ('84, ad oggi tra i massimi esempi di inettitudine tecnica, bruttezza dei componenti e imbarazzante mediocrità di liriche: indimenticabile l'inno onanistico-nichilista: "I masturbate to kill my self"), dall'altra, "Onkel" Tom ha imparato a vestire in maniera eccellente i panni del frontman, maturando notevolmente anche come paroliere. Insomma, con l'appropinquarsi della fine del decennio, i Sodom possono affrontare la scena metal nazionale ed europea a testa alta, con accresciuta dimestichezza in fase di songwriting e, cosa che non fa mai male, una buona fetta di pubblico che fa il tifo per loro.

Proprio durante il tour promozionale di "Agent Orange", però, il raggiunto equilibrio del terzetto si spezza: Blackfire, su invito di Sua Maestà Mille Petrozza, decide di unirsi ai cugini Kreator, con i quali registrerà, l'anno successivo, l'ottimo "Coma Of Souls". Per tale motivo, "Better Off Dead" si presenta già sulla carta come un disco, se non di rottura, certamente di allontanamento rispetto a quanto fatto sentire fino ad allora dalla band.

L'attacco della opener "An Eye For An Eye" fuga ogni dubbio: bastano poche battute, un paio di giri di chitarra e una manciata di tupa-tupa per cogliere gli effetti di una piccola rivoluzione intervenuta a livello di produzione. Il veterano Harris Jhons (tra i fautori, tra l'altro, di quell'apocalisse sonora che fu "Consuming Impulse" dei Pestilence), richiamato in sala comandi dopo aver messo la propria firma nel disco precedente, opta infatti per un taglio sonoro più secco, per certi versi più pulito e stranamente compresso, che pare quasi volersi lasciare alle spalle le sonorità ruvide e vagamente zanzarone degli album precedenti. Tale rinnovata veste sonora, sebbene abbia lasciato interdetti molti puristi del genere, a mio avviso non compromette affatto la qualità complessiva del disco e, anzi, si attaglia perfettamente allo stile del nuovo chitarrista Michael Hoffman .

Proprio il differente approccio riservato da quest'ultimo alla chitarra, infatti, costituisce un ulteriore punto di rottura con le precedenti produzioni del terzetto. Nella sua tutto sommato breve carriera nei Sodom, il buon Frank Gosdzik era sempre riuscito, a mio avviso, ad utilizzare al meglio i "pochi mezzi a propria disposizione": il suo era uno stile piuttosto riconoscibile, dal vago sapore proto-blackeggiante, con ritmiche grattuggiose su corda singola e armonizzazioni su intervalli di quarta, cui si contrapponevano assoli, spesso in tapping, nei quali trovava sovente spazio una certa melodia, una certa orecchiabilità. Hoffman, dal canto suo, preferisce evitare imbarazzanti tentativi di scopiazzatura e opta per un lavoro chitarristico tutto sommato personale che, da un lato, nei pezzi più tirati, si presenta costruito su ritmiche chirurgiche, dal retrogusto quasi statunitense ("Shellfire Defense" e "Tarred And Feathered"), e, dall'altro, strizza l'occhio, in maniera neppure troppo velata, all'heavy più tradizionale, se non addirittura all'hard rock tout court.

Sarà proprio questa notevole varietà di sounds e generi a fare da croce e delizia per "Better Off Dead". Preso nel suo insieme, infatti, il disco si palesa forse addirittura fin troppo variegato per gli standard dell'epoca: da una lato, la velocità di furiosi lampi speed/thrash (quali la tiratissima "Bloodtrails"), in cui la band mostra quanto ancora possa sentirsi a proprio agio con tempi e soluzioni puramente dedite all'aggressività sonora, dall'altro, quella mescolanza di passione e rispetto che da sempre lega a doppio filo il leader Angelripper con le origini del genere metal. Nel disco trovano, infatti, posto due cover: la splendida "Turn Your Head Around" (gioiellino perduto della discografia dei Tank, consigliatissima band dallo stile spudoratamente motorheadiano) e, addirittura, in pieno hard rock revival, "Cold Sweat" dei Thin Lizzy. Ma, ancor di più, è la presenza di mid/mid up tempos quali "The Saw Is The Law" e "Resurrection" (nel cui finale addirittura fanno la loro comparsa dei coretti vagamente epici assolutamente inconcepibili fino al disco precedente!), a segnare maggiormente la distanza con quanto fino ad allora fatto sentire dal terzetto.

Anche negli episodi più violenti, poi, il disco pare permeato da un approccio più ordinato e più ragionato, meno spasmodico. L'accresciuta dimestichezza con i propri strumenti (i progressi di Witchunter alla batteria rimangono ancora oggi documentati nelle migliori enciclopedie metallare alla voce "Miracolo"), una maggiore maturità compositiva e il venir meno di quella specie di necessità di suonare "cattivi" a tutti i costi (basti per tutti il cantato di Angelripper, qui molto più misurato e, ancor più che in passato, in puro Lemmy style), fanno sì che l'album possa godere di un groove e di una immediatezza del tutto nuovi per il sound della band.

"Better Off Dead", pur non potendo fregiarsi del titolo di capolavoro, rimane a tutt'oggi un ottimo disco. È ben suonato, vario, forse solo penalizzato da un numero eccessivo di canzoni che, se non altro ai primi ascolti, lo viziano di una sorta di "dispersività", ma, soprattutto, rappresenta il tentativo - perfettamente riuscito - di una band di staccarsi dall'intransigenza che ne aveva caratterizzato il sound nei dischi precedenti, senza per questo rinunciare alla propria natura estrema. voto 8

Dani75

Love will tear us apart, diceva qualcuno un po' di tempo fa. 
Frase quantomeno azzeccata per sintetizzare un disco che parla d'Amore, un amore intenso, un fuoco che non brucia più come una volta e che porterà a una fine drammatica. 
La copertina ci mostra quell'Arlequin, simbolo del gruppo svizzero praticamente da sempre, che porta tra le braccia una donna ormai priva di vita. 
L'album si apre con Am Ende der Stille, pezzo che, in un crescendo di musica orchestrale, introduce il primo atto dell'opera e la "trama" vera e propria dell'album. Nel bellissimo pezzo successivo Alleine zu Zweit Tilo Wolff, autore di testi e musiche dei Lacrimosa, sostenuto dalla moglie Anne Nurmi, canta di come il loro amore non sia più forte come prima, un rapporto incrinato dall'abitudine e dall'apatia, di come pur essendo in due, stiano diventando sempre più distanti l'uno dall'altro e, in definitiva, soli. Il tutto in un intreccio altamente evocativo di chitarre e archi. In Halt mich il desiderio di una passione che non c'è più si trasforma in rabbia, e il ripetuto "amore, abbracciami!" da dolce diventa violento in un finale esplosivo. Con The Turning Point , l'unica canzone in inglese del disco scritta dalla bella Anne si chiude il primo atto e si entra nel "vivo", lui l'ama troppo e decide di ucciderla: un giro di basso inizia e ci accompagna per tutta la magnifica Ich Verlasse heut’ Dein Herz che culmina con un bellissimo e lungo momento strumentale, questa seconda parte finisce con Dich zu töten fiel mir Schwer e con la donna che giace a terra moribonda nel proprio sangue. 
Terzo atto, la redenzione e il finale: Sanctus, titolo che come lo stesso nome del gruppo, tradisce le influenze che Tilo ha avuto dalla musica classica, specialmente da quella di Mozart. Tra cori in latino, parti sinfoniche eleganti, maestose e inserti gotici passano quindici minuti di pura gioia per le orecchie, per un requiem che potrebbe benissimo concludere il disco. Invece ecco che parte sommessa Am Ende Stehen wir zwei, "l’ amore mi porterà dove la sofferenza consuma ogni speranza". 
C'è una luce in fondo al sontuoso corridoio in copertina, un'altra possibilità, una nuova vita.

Stupendo album, uno dei più belli sia di composizione che di testi. Voto 9 TWOLFF

Ne è passata di acqua sotto i ponti dagli albori black. Questo album segna la definitiva consacrazione dei Tiamat come uno dei maggiori esponenti del Gothic Rock attuale. Non lasciatevi trarre in inganno dal nome dell'album, Edlund e soci, infatti, oltre ad abbandonare le atmosfere black degli esordi hanno anche definitivamente messo da parte la recrudescenza antireligiosa, ed anticristiana in particolare, raddrizzando un po' il tiro e spostando le loro invettive nei confronti della chiesa come istituzione, a loro dire, creata dagli uomini a discapito di altri uomini.

Tralasciando la filosofia di Johan Edlund, mente e singer dei Tiamat, musicalmente, a mio parere, i Tiamat con questo "Judas Christ" sono giunti alla piena maturazione. La novità rispetto ai dischi precedenti è che, dall'ascolto, traspare un'aria complessivamente più positiva e fresca sia dal punto di vista musicale che dei testi. Le sonorità decadenti non sono state completamente abbandonate e trovano campo in canzoni come "The Return of the Son of Nothing" e "So Much For Suicide". I picchi di quest'album, a parere di chi vi scrive, sono tuttavia da ricercare in quelle songs da cui emerge il nuovo corso dei Tiamat e cioè nella hit "Vote For Love", scritta dallo stesso Edlund per lasciare ai posteri un'immagine positiva di sè stesso, in "Angel Holograms" dal riff cadenzato e deciso, "Spine" e in "I am in Love With Myself", canzoni in cui eccelle il timbro vocale di Edlund (molto somigliante a quello di Andrew Eldritch). L'album si chiude con due splendide ballad, "Heaven Of High" e "Too Far Gone", songs molto dolci e scanzonate.

In conclusione un ottimo album per chi, come il sottoscritto, sente la mancanza di gruppi come i Sisters of Mercy, di cui, a mio modesto parere, i Tiamat sono i più degni successori.

Molto molto ben fatto. Soave. Voto 9.

TWolff.

Con l’arrivo del nuovo millennio (era il 2000) i Theatre Of Tragedy, formazione che fino a quel momento aveva regalato degli ottimi album di gothic/Doom, decisero di dare un taglio netto con quelle sonorità e diedero alle stampe “Musique”, un lavoro che fece gridare molti allo scandalo, infatti la band mise in campo una miscela sonora fatta di corposi elementi elettronici (a tratti techno) ai quali si associava un retrogusto oscuro fatto di tentazioni dark-goth.

Ritrovare questo album oggi dopo nove anni dalla sua uscita originaria fa un certo effetto, perché l’album, nel suo piccolo, anticipò molte tendenze sonore. “Musique” è un concentrato di sensazioni plastiche, fredde e distaccate, alle quali si contrappongono le calde inflessioni vocali di Liv Kristine e un corpus di riffs elettrici. Dall’associazione di queste due componenti nascono delle ottime songs come l’oscura “City of Light”, la fosca e paranoica “Fragment” e l’elettro-pop della titletrack, che tendono tutte a fare da contorno rispetto a quel piccolo capolavoro che è “Crash/Concrete”, ove si rivedono i Rammstein. Brani davvero ottimi, soprattutto per il proprio essere dotati di una vena fortemente innovativa all’epoca dell’uscita. Oggi la Metal Mind propone questa ristampa, che contiene bonus tracks  ed una nuova confezione in digi pack, quindi se non lo avete fatto al tempo, è giunta l’ora di far vostro questo album, ancora oggi pieno di spunti interessanti. Un ottimo album, consigliato però ad un audience non legata ai concetti di genere e stile.

Davvero stupendo. Voto 9. 

TWolff.

La lotta più gotica ed antica della storia del metal non è mai stata rappresentata con tanto vigore e con tanta intensa nostalgia quanto dal duetto costituito dagli indimenticabili teutonici Tilo Wolff e Anne Nurmi.

Lotta tra Amore e Morte, principi fondatori e promotori della vita che hanno il sacro compito di renderla unica, perfetta e divina. I Lacrimosa non si limitano ad affiancare alla vita perfetta tutto ciò che risulta al suo interno dettagliato e minuzioso ma introducono l'ascoltatore in una specie di abisso nel quale le sadiche esasperazioni sentimentali sono d'obbligo e si pongono come obiettivo primario quello di rendere il viaggio del fortunato bello perchè costituito gratuitamente da momenti di raffinatezza, dipurezza, d'eleganza e di splendore. Un gruppo che, oggigiorno, non inciderebbe album se, a partire dal primo lavoro ufficiale, non fosse riuscito nell'intento di consacrare nell'ascoltatore fortissime emozioni, seppur decadenti ma che non fanno altro che purificargli l'animo.

Con quest'uscita i Lacrimosa festeggiano il loro quindicesimo anno di operatività sempre all'insegna di un gothic molto oscuro, selvaggio e tenebroso che, a differenza di "Stille", minimizza l'uso di chitarre elettriche ed estremizza tastiere e lingua d'origine del leader (tedesco) al fine di conferire più rudezza ai brani. Sarebbe enormemente preferibile ascoltare il suddetto album possibilmente al buio poichè al suo interno amalgamano passaggi rapidi di pura riflessione sino a giungere a momenti estremi di emozione che hanno il compito di rendere il tutto quanto più estetico possibile. Nonostante non sono riuscito a dedurre se l'artwork raffigura un angelo portatore di luce o un'entità delle tenebre, devo però ammettere che ne sono rimasto completamente affascinato e mi vergognerei quasi a dirvi che soltanto la copertina mi ha indotto a conoscere, un po' di tempo fa, sia la band che di conseguenza questo lavoro e i loro numerosi precedenti. Band che son riuscito ad approfondire nell'arco di un mese e che mi ha portato ad una conclusione che risulta tutt'altro che negativa.

In "Kelch der Liebe" e "Lichtgestalt" sono lampanti le influenze che derivano da "maestri" come My Dying Bride e Cathedral nelle quali si nota non solo il corretto e minuzioso lavoro sulle tastiere, non eccessivamente profuse ma significative, ma anche per un dichiarato e costante amore di fronte all'oscurità che sfocia in un suono cupo ed introverso, per l'appunto molto riflessivo. In “Letze ausfahrt” il ritmo sale decisamente rendendo la canzone maggiormente vicina al metal con l’utilizzo di chitarre molto distorte e una voce maggiormente incisiva e sublime che premia maggiormente la potenza a discapito della melodia. Notevole imponenza all’aspetto symphonic della musica viene invece conferito nella lunghissima “Hohelied der liebe” in cui i cori gregoriani nonchè polifonici perfettamente strutturati duettano con la voce del leader che merita di essere ascoltata dal momento che diviene rispetto alle altre tracce molto più ruggente, suadente e più triste che mai. Parti strumentali e notevolmente atmosferiche si alternano a momenti più ritmati e incisivi. Questa canzone può essere vista come un’opera a sé stante perfettamente archiviata ed eseguita in tutte le sue innumerevoli parti. In quest'ultimo album Anne Nurmi ha la capacità di sedurci e conquistarci all'inverosimile con brani parzialmente in lingua inglese come "My Last Goodbye" e "The Party is Over" dove agonia e dolore, espressioni di sconfitte subite ed atteggiamenti introversi di fronte alla realtà che ci circonda, abbandonano tutte le forme di quella speranza alla quale si cerca di arrivare insistentemente ma invano nelle rispettive decadenti tracks. Se il Regno dei Morti esistesse per davvero quest'album sicuramente sarebbe il benvenuto.

Dopo capolavori come "Satura", "Inferno" ed "Elodia" ecco un'altra pietra miliare che i fan difficilmente dimenticheranno.

Non mi divulgherò con le parole.Dico solo:

STUPENDOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOO.

Tilo Wolff è un genio compositore.

Ovviamente da 10+. 

TWolff.

Dopo il CD d’esordio intitolato “Suspiria” del 2000 e il MCD “Conflict of Interest” del 2002, oltre naturalmente ai cambiamenti nella line-up che a metà del 2003 hanno portato la cantante Alexandra ad allontanarsi dal gruppo, subito sostituita dall’attuale Stephanie, i Darkwell giungono a noi con la loro nuova prova in studio intitolata “Metatron”.
Il riferimento del titolo all’angelo conosciuto anche come “la voce di dio”, è evidente anche nella copertina in cui è l’avvenenza della nuova singer a prestarsi per impersonare la creatura celeste. Oltre che naturalmente nelle canzoni, spesso legate a temi biblici come la titletrack “Metatron” o “Crown of Thorns”, che già nel titolo permettono una facile comprensione dei temi trattati.

Cominciamo subito a parlare della canzoni che compongono questo album, tocca a “Fate Prisoner” aprire le danze e lo fa con una rullata di batteria che sembrerebbe presagire quasi dei ritmi al limite del prog, tutto si instrada invece verso un metal di stampo molto classico e molto melodico. La batteria però sia su questo brano che su tutte le successive tracce si rende abbastanza protagonista creando sempre passaggi molto interessanti di sapore quasi prog.
Decisamente più rock ed aggressiva è la seconda “Strange”, la cui intro però forse strizza fin troppo l’occhio all’inizio di “It’s My Life” di Bon Jovi, perfino il suono delle chitarre è praticamente lo stesso. Per fortuna poi il brano si instrada verso melodie più originali e personali del gruppo, sopra tutto rimane sempre rimarchevole l’apporto della batteria che forse avrebbe meritato maggiore spessore in fase di mix dei volumi degli strumenti.
La voce di Stephanie rimane però su tutto il disco il fattore trainante di tutte le canzoni, come dimostra anche la titletrack “Metatron”, uno dei brani più dolci dell’intero cd e in cui la voce della singer, spesso accompagnata solo da un pianoforte, dà probabilmente il meglio di se passando attraverso vari registi.
Sicuramente meritevole di menzione è anche la quinta traccia “The Machine”, forse la mia canzone preferita di questo album, che presenta un ritornello estremamente orecchiabile che ti si pianta subito in testa.
In generale si tratta probabilmente di uno degli album più melodici e facilmente ascoltabili che abbia mai sentito in vita mia, sicuramente si tratta di un grande merito di questa band perchè a livello di song-writing le composizioni sono mediamente di una certa complessità. Eppure l’effetto finale generato sull’ascoltatore è quello di una estrema scorrevolezza e dolcezza dei brani, merito quest’ultimo probabilmente imputabile principalmente alla voce di Stephanie.
Di contro però bisogna ammettere anche che molte linee melodiche e molte linee vocali tendono un po’ ad assomigliarsi dando in questo modo sicuramente un tono di grande uniformità all’intero disco, ma anche generando un po’ di ripetitività e quindi di stanchezza nell’ascoltatore.

Dal punto di vista della produzione ci troviamo di fronte a un prodotto davvero di primo livello, il suono è veramente potente quando le composizioni lo richiedono e al contempo si è riusciti a rendere nel migliore dei modi una voce come quella di Stephanie a tratti un po’ particolare e forse quasi troppo delicata.
Dal punto di vista dei suoni veri e proprio sinceramente forse non ho apprezzato troppo i tanti riferimenti. Da una parte per le chitarre che, come si diceva prima, suonano alla Bon Jovi, e dall’altra per le tastiere che hanno quasi sempre lo stesso suono dei Dream Theater. Probabilmente scelte sonore un pochino più orientate all’originalità avrebbero giovato maggiormente al disco evitando frequenti sensazioni di dejà-vu.

Per concludere si tratta di un album destinato agli estimatori del genere, si tratta di un buon cd che può riservare diverse emozioni. Sicuramente uno dei suoi punti di forza è dato dalla stupenda e delicatissima voce della nuova cantante Stephanie e per questo consigliato a chi sa apprezzare le voci femminili.

Tracklist:
01 Fate Prisoner
02 Strange
03 Metatron
04 Crown of Thorn
05 The Machine
06 Hope Unborn
07 Nothingness
08 Far Cry
09 Last Glance

E' proprio vero, io che sono amante del genere trovo che questo sia un album molto bello. Voto 8.

TWolff.

Mi si perdoni l'assolutismo dell'affermazione ma “Horrorscope” è uno di quei dischi che ogni persona assetata di thrash metal dovrebbe avere nella propria ‘Cd-teca’. Oltre alle esclusività stilistiche che rivestono questi undici brani, il quinto full-length della carriera degli Overkill incarna una delle più azzeccate e brillanti interpretazioni del thrash metal statunitense. Questo, perché si discosta parzialmente dai classici comparti thrash-core che, da sempre, hanno influenzato le produzioni del movimento newyorkese e, nel contempo, raccoglie lo stretto necessario dagli ormai abusati artifici compositivi adottati dalla Bay-Area, soprattutto in riferimento all'aspetto produttivo. Il tutto è impreziosito dalla tanto oscura e ossessiva aurea che ha portato il precedente “The Years Of Decay” nella ‘top thrash ten’ di tutti i tempi.

Ma andiamo per gradi...
Rispetto al capolavoro precedente, la media dei bpm aumenta. Rispetto al più recente passato della band, poi, questa maggior velocità canonizza il disco, fermo restando l'ormai inalterato e distintivo ‘stile Overkill’. Proprio quello stile che, grazie anche alla timbrica inimitabile di Bobby “Blitz” Ellsworth, da “Fuck You” del 1988 in poi, ha decretato l'entrata degli Overkill nel giro di ‘quelli che contano’.

Ci sono però altri due perché che aiutano a quantificare il notevole peso qualitativo che “Horrorscope” riveste all'interno della discografia della band e nel movimento artistico del tempo. A parere di chi scrive, queste due osservazioni sono concettualmente combinate. È forse ammissibile ammettere che “Horrorscope” rappresenti il punto di partenza di una seconda ‘Era Compositiva’ della band di New York City. A certificazione di quest'ipotesi è possibile chiamare in causa l'innovazione e la marcata personalità che ha contraddistinto l'album in un momento dove tantissimi gruppi producevano thrash metal sulla scia dei masterpiece usciti qualche anno prima. Tutte queste band sono morte nel giro di un anno o giù di lì, invece, “Horrorscope" è sopravvissuto.
Come se non bastasse, la formazione che fino a un anno prima (1990) contava quattro membri, nel 1991 ne annovera cinque. Via Bobby Gustafson, ecco arrivare alle sei corde l'affiatata coppia Rob Cannavino/Merritt Gant; quest'ultimo, in particolare, vero trascinatore di ritmiche fresche, dinamiche e slanciate all'impatto sonoro.

A introduzione del tutto è sufficiente lasciar la parola a “Coma”, devastante opener e ormai classico d'ogni live. Seguono poi veri e propri capolavori in grado di portar con loro tutto lo stile maturato dal 1990 in poi, anzi, il meglio di questo pregresso! Si pensi al thrash-core di “Infectious”, al filo Bay-Area di “Blood Money”, “Live Young, Die Free” e “New Machine”, alle granitiche influenze rock di “Thanx For Nothin”, all'ossessività della title track piuttosto che alla classe e buon gusto di una closer come “Soulitude”. Davvero un brano che sigilla e firma una delle più brillanti opere d'arte che l'intero movimento thrash metal di sempre abbia svelato al suo infervorato pubblico ribelle. Nel mezzo del tutto la cover “Frankenstein”, brano originariamente composto dal bluesman Edgar Winter, fratello del più famoso albino Johnny. Un brano che non sfigura nel lotto, data l'anima rock stradaiola che caratterizza da sempre il noto modus vivendi di Blitz (moto e strada!) e quindi l'attitudine di alcuni brani qui partecipi.

La produzione è perfetta. Opera del talentuoso produttore Terry Date, al lavoro anche su “Cowboys From Hell” dei Pantera, valorizza ogni singolo aspetto, improntando sulla potenza ogni specifico suono. Le sezioni ritmiche convergono sinergicamente e la batteria è un vero e proprio martellare d’inaudita precisione. Basso e voce restano sempre a galla, amalgamandosi all'alchemica pozione pronta a deflagrare oltre i coni dell'impianto.

Non c'è altro da dire. “Horrorscope” riveste i panni di masterpiece del genere. Assieme a tanti altri dischi, rappresenterà nel corso del tempo una delle più riuscite espressioni del thrash metal: non originale, abissale e cupo come “The Years Of Decay”, ma espressione di grande maturità e, mi si perdoni per la seconda volta, assolutamente essenziale. Lo aveva predetto un terrificante oroscopo nel lontano 1991.

  Track-list:
1. Coma 5:23
2. Infectious 4:04    
3. Blood Money 4:08
4. Thanx For Nothin' 4:07    
5. Bare Bones 4:53        
6. Horrorscope  5:49
7. New Machine 5:18
8. Frankenstein 3:29
9. Live Young, Die Free 4:12    
10. Nice Day... For A Funeral 6:17    
11. Soulitude 5:26

All tracks 53 min. ca.

Line-up:
Bobby “Blitz” Ellsworth – Voce
D.D. Verni – Basso
Merritt Gant – Chitarra
Rob Cannavino – Chitarra
Sid Falck – Batteria

Thrash, se non mi sbaglio, significa spazzatura. Be! devo ammettere che questo album profuma di vera maturità e professionalità dei componenti. Per me uno dei pochi dischi thrash davvero entusiasmanti.

Voto 8.5.

TWolff.

Up the irons!!!
 

Quando usci' questo cd ero diffidente per dire la verita' credevo che  i theater avessero iniziato un percorso ascensionale irreversibile, dopo aver ascoltando il precedente lavoro, bhe!! mi sbagliavo,dopo che kevin moore abbandono' il gruppo, suo successore  fu Jordan Rudess, vero e proprio funambolo e virtuoso della tastiera, ex Dregs e soprattutto ben conosciuto da Portnoy e Petrucci dato che aveva collaborato con loro nel progetto collaterale Liquid Tension Experiment. E la differenza è udibile sin fal primo ascolto. E' Jordan il tastierista perfetto per questa prog-metal band; il suo modo molto orientato verso il progressive di intendere il suono della tastiera nel contesto di un gruppo sembra che abbia spazzato via l'impronta classica a volte pesante di Kevin Moore e l'eccessiva impronta rockettara e "casinista" di Derek Sherinian. Dunque un line-up perfetto per un disco a mio avviso incredibile. Anzittutto due caratteristiche peculiari. Scenes From A Memory è un concept disc, alla pari dei grandi The Wall dei Pink Floyd o Operation: Mindcrime dei Queensrÿche. In più è il prosegumento ideale di Metropolis Part 1: The Miracle And The Sleeper presente sul loro secondo album Images And Words. Il concept, dunque, riguarda essenzialmente il tema della reincarnazione e più in particolare gli incubi ricorrenti di Nicolas che non è altro che la reincarnazione di Victoria Page gentildonna del primo '900 che era disputata dai fratelli Adams. L'album si apre con Regression che inizia con un ticchettio che rimbalza da un canale all'altro e da un breve interludio acustico-cantato che poi darà via al vero e proprio album con il massiccio strumentale di Ouverture 1928. La prima parte scorre fluida, tra momenti di grande tensione, grandi virtuosismi e grandi stacchi melodici. Molto presente il piano specialmente in Through My Words e Beyond This Life. Ogni canzone è permeata di grande sentimento e soprattutto Fatal Tragedy si impenna verso un assolo di Petrucci al fulmicotone. La prima parte dell'album dunque si conclude con la bellissima ballata Through Her Eyes completamente acustica e con un assolo minimale ma di grande effetto e molto melodico. La seconda parte dell'album, forse anche più spettacolare della prima, si apre con il pezzo migliore dell'album e Home. Una minisuite di circa 14 minuti in cui si viene rapiti in un crescendo mistico trascinati dal riff arabeggiante della chitarra di Petrucci e da uno degli assoli più belli dell'album. Il momento più prog è senza dubbio The Dance Of Eternity dove l'influenza dei Liquid Tension è molto marcata. L'album si chiude in un crescendo incredibile con la "strana" Finally Free che sembra quasi la colonna sonora di un film dato che sono presenti veri effetti di vita normale del protagonista e anche il colpo di scena finale.   L'album è bello, trascinante, melodico ma mai scontato e con una storia interessante che contribuisce di per se stessa a renderlo imperdibile. La band è come rinata, tutti sono ai massimi livelli, specialmente Petrucci che ci regala assoli incredibili sia per tecnica che per feeling ed anche parti ritmiche molto dinamiche ed incisive. Ascoltatelo ad alto volume in cuffia magari al buio e verrete rapiti dalla potenza di questo album!

comunque riprendendo il discorso di prima la storia racconta la vita divisa in due di Nicholas, che sogna di notte fatti riguardanti una sua precedente vita. Scopre così di essere la reincarnazione di una ragazza, Victoria, vissuta e morta all’inizio del ‘900. Innamorata di un uomo – The Sleeper -, Victoria si concede a suo fratello – The Miracle – prima di decidere di tornare per sempre dal primo: ma l’altro la uccide. Nicholas vive nel suo inconscio una sorta di viaggio nel tempo e nella vita di Victoria, che si conclude con l’affermazione della reincarnazione e della sopravvivenza dell’anima, che continua a vagare nell’universo e a vivere in epoche e corpi diversi. Un concepì vagamente ‘noir’, in cui per alcune atmosfere sembra di tornare ai tempi di “Nursery Cryme” dei Genesis. I Dream Theater svolgono il compito con passione, realizzando un album fortemente teatrale, il cui booklet di testi può veramente essere letto come un libro e con dei momenti musicali di eccellenza, come la sopra citata “Strange deja vu”, la splendida “Through her eyes” e tutta la parte finale o secondo atto. Scale forsennate di chitarre, cambi di tempo a cura dei tamburi di Mike Portnoy disegnano cornici musicali attraverso cui passa svolgendosi la vicenda. E’ curioso anche che a scrivere i testi abbiano concorso i vari componenti del gruppo, in un passamano che sembra quasi mutuato da qualche gioco di società. Per la cronaca The Sleeper e The Miracle erano due fratelli che comparivano già in un’altra canzone del gruppo, “Metropolis part 1”, tratta dall’album “Images and words”. Ragion per cui “Scenes from a memory” è preceduto dalla dicitura “Metropolis part 2”. Il concept ritrova se stesso, alla fine. e' un vero capolavoro amo questo cd figuratevi che all'epoca comprai dvd , triplo live e album, che tutt'ora ascolto e vedo con la convinzione di paragonare quest'opera ad una donna bella, intrigante , misteriosa, buon ascolto a tutti gli amanti della buona musica. voto 10

Dane75

Dio benedica l’idea di Morten Veland d’abbandonare i Tristania per formare i Sirenia nel 2000; detto fuori dai denti non ho mai sopportato lo stile di Beyond the veil che tanti successi e consensi raccolse a suo tempo. Ora mi compiaccio nel sentire il ritorno dei norvegesi a quattro anni da World of glass, carichi di presupposti più maturi e consoni al panorama settoriale odierno e ad una band di rango. 
Molti saranno stati colti da malore nel sentire il precedente disco e credo che i defender della vecchia linea potranno avere le convulsioni nell’ascoltare cosa siano gli attuali Tristania, ma ciò è più che comprensibile. Continua quindi l’evoluzione stilistica della band che abbandona le soluzioni pompose e sinfoniche d’un tempo per scegliere una via più cauta, introspettiva e raffinata, tipica di molti altri ensemble che danno una sterzata alla propria carriera.

Stilisticamente, Ashes ha una chiara prerogativa goth rock/metal che per gioco potrebbe essere spezzata idealmente a metà: da un lato una versione più dura e metallica delle tracce “dispari”, dall’altro la fazione dei brani “pari” più coinvolgenti emotivamente e meno irruenti. La prima legata ad un filone lievemente più canonico  ma sorretto da buone atmosfere, fatto di note stoppate e scream simil black che si fondono piacevolmente alle voci pulite, l’altra debitrice allo stile conclamato di band quali The Gathering, Theatre of tragedy (fino all’incarnazione Aegis) ed Anathema (molto marginalmente). Forme più posate, prediligendo l’approccio morbido e sinuoso di composizioni dal piglio quasi unplugged in taluni frangenti.

Il disco esordisce con un riuscito e trascinante sunto stilistico intitolato "Libre", carico dell’espressività del coro femminile quasi ecclesiastico, forte di un buon groove, di melodie gradevoli e tastiere sullo sfondo, si passa poi ad "Equilibrium", la cui descrizione più efficace potrebbe essere l’immaginarsiAnneke van Giersbergen che balla il pezzo sul palco con le sue classiche movenze. Ritorna l’aggressività calcolata di "The wretched", costruita su riffoni stoppati ed uno stimolante connubio di tutte gli stili vocali adottati nel platter, brano spezzato nel mezzo da un drammatico break di violoncello. La successiva è Cure, carica d’un sentore tipico da Velvet darkness they fear (Theatre of tragedy), un crescere musicalmente misurato sull’onda delle delicatissime vocals femminili a livelli d’espressività quasi angelici. La strada prosegue immersa nelle tastiere vagamente orrorifiche di Circus per poi approdare all’eccezionale "Shadowman" (semplicemente divina), traccia da brividi se ci si abbandona alla leggerezza dell’interpretazione di Vibeke Stenein un duetto magistrale col compagno maschile; un'altra progressione perentoria nella velata e raffinata tristezza. Chiude "Endogenisis", miscela d’essenze, tra accordature pesanti e chitarre acustiche alternate in primo piano ed un incredibile spaccato paradisiaco, uno di quegli istanti nei quali si può restare soltanto interdetti da contata beltà stordente, con la pelle accapponata e gli occhi lucidi.

Efficace la calibratura nel terzetto vocale, i cui membri non sembrano contendersi lo scettro di prima voce, lasciando spesso uno spazio preponderante alla timbrica armoniosa di Vibeke chiaramente in stato di grazia, in perfetta simbiosi con il vocione caldo e profondo del compagno Østen Bergøy.

Disco estremamente godibile, ricco di profondità espressiva, a tratti rilassante ed abbondantemente bagnato da un gusto indiscutibile per l’atmosfera, che a mio avviso risente in parte della semplice normalità dei frangenti heavy, non particolarmente ricercati e strettamente finalizzati allo loro scopo. 
Sulla scia di questo, avanzo un desiderio: mi piacerebbe sentire i Tristania abbandonare del tutto i retaggi metal più estremi sfruttandoli come vago contorno, citandoli semplicemente vista la netta superiorità del lato più lieve.

Finora li ho evitati volontariamente, ma è stata tale la sorpresa da costringermi a rivedere la mia personale valutazione sul loro conto. Quando a fine anno farete un bilancio personale dei migliori dischi del 2005, ricordatevi di Ashes.

Tracklist
01. Libre
02. Equilibrium
03. The Wretched
04. Cure
05. Circus
06. Shadowman
07. Endogenisis

Infondato, a mio avviso, il parere negativo del critico nei confronti di  Beyond the veil e l'abbandono di Morten Veland. Entrambi, all'epoca erano i veri Tristania. E comunque, per la cronaca, le tracce sono 8 e non 7 come si dice sopra.

VOTO 9 TWOLFF

Tornano gli austraci con una formazione stravolta. Alla voce e' rimasta infatti la sola Sandra Schleret (fra l'altro parecchio migliorata), Martina Hornbaker e' stata "scippata" da Christofer Johnson dei Therion, cambiati pure batterista e tastierista (in meglio, direi). Se il precedente album (Komödia) era un concept legato alla Divina Commedia, questo ci racconta del Fantasma dell'Opera. Muiscalmente si nota un deciso passo in avanti, gli arrangiamenti sono più curati, la registrazione è indubbiamente migliore, i brani meno dispersivi. Si tratta sempre di un gothic metal progressivo con qualche striatura di metal germanico (!), questa volta ci sono anche accenni all'opera (ovvi, visto il contenuto lirico del disco) che posso ricordare gli ultimi Therion. Splendida l'interpretazione di Sandra che nel primo brano (una 
versione sapientemente riarrangiata del famoso pezzo di Webber) si trova anche a duettare con Tilo Wolff dei Lacrimosa (che tenta in ogni modo un impossibile imitazione di Mr. Doctor). Il disco scorre via facilmente ma e' abbastanza ricco da non annoiare subito, ad ogni ascolto c'e' qualcosa di nuovo da scoperire. Masquerade è un disco che piacerà a molti, soprattutto grazie alla splendida voce di Sandra e alle composizioni mai troppo pesanti, anche se inequivobilmente metalliche.

Tracklist:

1.  Opera. 
2.  The Phantom Of The Opera. 
3.  Masquerade Act 1. 
4.  Masquerade Act 2. 
5.  Masquerade-Interlude. 
6.  Masquerade Act 3. 
7.  Masquerade Act 4. 
8.  Within (The Dragon). 
9.  The Maiden And The River. 
10. Lost Paradise '99. 

Vot 8.5 TWOLFF

Album che non ti lascia spazi vuoti dentro. Voto 9

TWOLFF.

Live ufficiale per questa grandissima band cresciuta al sole della Florida, e dopo tre dischi in studio e l'aver raggiunto una popolarità sempre più crescente pubblicano questo disco diviso in due parti, una acustica e l'altra elettrica, proponendo la scaletta di entrambe quasi in maniera speculare. La voce di Brent Smith è ipnotica e riesce a coinvolgere in maniera unica, mentre è geniale Zach Myers alla chitarra, splendidi i suoi passaggi immediati tra il modaiolo e il retrò. La parte elettrica è veramente bella, la produzione perfetta pur avendo una buona dose di basi di tastiere per le aperture più ariose e per doppiare le parti di chitarra; il resto appare veramente crudo e vero. Vi sono momenti toccanti come "Crow And The Butterfly", e la magica "If You Only Knew", oppure momenti tirati e goderecci come "Devour", la potente e pesante "Sound Of Madness", o la quasi inedita, ma straordinaria "Diamond Eyes". La parte acustica invece è magistrale a tratti, ma altrettanto deludente su alcuni brani poco propensi ad adattarsi a questa tipologia e lasciati troppo uguali all'originale ("Devour" su tutte). Anche la versione di "With A Little Help..." versione Cocker è un po' superflua, quindi massimo dei voti alla prima parte e sufficiente la seconda (anche se il DVD è una goduria di oltre due ore, parte acustica compresa). Rimane però l'idea di una band grandiosa, capace e coinvolgente che sa perfettamente dove andare, e sa altrettanto bene ciò che il pubblico richiede.

voto 9

Dani75